Atenção: este artigo contém fragmentos de spoiler.r
.Neste fim de semana resolvi
alugar algum filme em DVD. Passei na locadora e acabei alugando dois filmes que
queria ver algum tempo. Só então me dei conta de que estava levando para casa,
embora dois filmes, mas que versavam sobre o mesmo tema: biografias.
O primeiro era o filme Somos
tão jovens do diretor Antônio Carlos Fontoura, mas que
aqui me reservo o direito de não falar sobre pelo simples fato de não ter me
causado maiores impressões (veja a crítica de outros sites no final desse
texto). Que tratava da trajetória da banda Legião Urbana e as demais bandas de Brasília
que migraram para o Rio de janeiro na década de 1980 para fazer sucesso e que
tem seu foco na “genialidade” de seu frontman;
Renato Russo (interpretado por Thiago
Mendonça de Dois Filhos de Francisco). Deixo claro aqui que o filme de Antônio Carlos tem um mérito: o de ser
honesto quando retrata a real situação social dos personagens rendendo
inclusive, cenas hilárias.
Já o segundo, Sete
dias com Marilyn (My Week with Marilyn do diretor Simon
Curtis), este sim me causou impressão. Confesso que ao ir para a
segunda sessão, estava eu já desanimado com a experiência que havia passado com
o Somos tão Jovens... Mas Sete dias... Foi mais profundo. Talvez não
ter me atraído tanto por Somos tão Jovens seria pelo fato de ter passado por inúmeras biografias de bandas de rock, desde The Doors e a formula parecer ser a mesma. É claro que devo aqui
levar em conta que a essência destes filmes é sempre a mesma: a de captar o
espirito de uma época (espirito este que também pude viver em minha juventude.)
e de uma geração com extremo excesso de rebeldia e que às vezes fica-se difícil
saber o que é verossímil e o que é romantismo.
E por não viver mais esta
juventude é que a figura MarilynMonroe me atraiu mais. Porque sua
figura, até então retratada apenas por fragmentos de tabloides e imagens até os
nossos dias não é suficiente e que sua tragédia se assemelha demais com tantas
outras celebridades tão recentes a exemplo de Maicon Jackson. E isso só
foi possível com grandes interpretações como da personagem título (a atriz Michelle
Williams que nos apresenta uma memorável Marilyn, insegura, frágil
diante de uma verdadeira crise de identidade diante do mito que ela representa),
seu par Colin Clark (Eddie Redmayne) e do ator britânico Laurence
Olivier (Kenneth Branagh).
Marilyn, como toda celebridade, paga caro por ter sua vida
especulada e monitorada todo o tempo. Paga duplamente por ser mulher de um
tempo em que o feminismo ainda não está resolvido com a sociedade recatada norte-americana e ainda mais em choque com o conservadorismo britânico.
Símbolo do liberalismo sexual que se confunde com o sex simbol. Marilyn é prisioneira do imaginário feminino como
símbolo de liberdade na mesma medida que é símbolo fetichista dos homens. Causando
admiração destes (e inveja e ciúmes das companheiras destes também). Tal imagem
reforça sua condição celebre fazendo assim com que uma barreira quase
intransponível a separa do mundo real. Mundo este que o jovem Colin Clark transpõe (o filme é baseado
no livro autobiográfico de Colin, publicado nos últimos anos de sua vida). Uma
espécie de terceiro ajudante de diretor que nada mais é que um
“mensageiro-servidor-de-chá”, capacho da hierarquia cinematográfica. Produtora britânica
em que Marilyn rodará o filme O Príncipe Encantado (The Prince and the
Showgirl, 1957) e na qual ela se afeiçoa pelo ingênuo rapaz. Seu
antagonista Laurence Olivier é um
ator e diretor e produtor do projeto. Sente admiração pelo mito de Marilyn na
mesma medida que odeia as crises emocionais dela. Sonha ser uma celebridade tal
qual como ela ainda em sua tardia trajetória o que causa aqui um jogo
interessante quando vemos em Marylin, um produto de Hollywood, muito mais
celebridade do que atriz, força motriz de suas crises emocionais. Mas o
interessante aqui neste jogo é que vemos uma grande cumplicidade entre as
personagens.
O filme é bonito em sua essência.
Não há cenas de sexo entre Marylin e Colin Clark. O que deixa em suspenso se
realmente aconteceu. O relacionamento de ambos contraria qualquer expectativa
machista. Colin parece penetrar na persona de Marilyn (esta ultima nem sabe
mais quem é). Poucas vezes um filme retrata um mito descendo de seu pedestal e
de fato ter uma interação humana com um mero mortal. Um “invisível” Colin (e põe
invisível nisso!) dispenso aqui comentários sobre a trilha (razoável!) e demais
partes técnicas!
Se um dos milhares de ditos que o
popular se vale para adjetivar e assim se manter seu receoso distanciamento da
arte e do seu sistema de valores cultos, é associa-la como “uma prática de loucos”.
O que reforça esse imaginário coletivo que mais serve para distanciar a experiência estética da obra de algumas classes sociais é aqui bem aplicado, pelo menos
literalmente, na vida e obra de Bispo do
Rosário (1909 ou 1911, Sergipe, 1989, Rio de Janeiro). Impossível de
separar analiticamente estas duas, perturbando nossa desesperada necessidade
contínua de categorizar e ordenar valorativamente o estado das coisas.
Como todo messias
contemporâneo, Bispo ouviu o chamado de Deus e fez de sua vida sua própria obra
de arte. Começa ele mesmo se intitulando como Jesus Cristo. Para o restante do mundo, nada mais foi que um invisível
social. Arthur Bispo do Rosário era
negro e descendente direto de escravos Africanos; louco; filho da classe
operária. Ele é um exemplo romântico do artista incompreendido pelo seu tempo e pelo seus pares e que somente será reconhecido pós-mortem. Morre o homem, nasce o mito. Ciclo natural que só compete àqueles que não tiveram uma voz na polis, mas que sua obra, inegável e barulhenta se faz existir. Uma voz emergindo da periferia e se centralizando simbolicamente. Nos incomodando. Mas nada disso valeria se sua materialidade não dissesse nada.
Mas aqui não se trata de definirmos esta materialidade. Por hora. Ela já tem o seu status de fato antes mesmo, em um dado momento em que ela escapava dos nossos juízos categóricos. Extrapolou a tentativa de
institucionalização em um primeiro momento mas não escapou de ser apreendida pela galeria graças aos seus
valores simbólicos. O que se sugere que mesmo sua obra não estando resolvida
para a historia da arte assim como toda a arte contemporânea não está, ela se
encontra presente no mundo através de suas várias consciências. inclusive algumas delas emanada do próprio Artista-messias.
E uma dessas consciências não se dá tão simplesmente com Bispo. O
que está aqui em jogo é justamente o contrário. O desarme desses juízos. Para
entrar na “aura” de Bispo é entrar totalmente nu. Walter Firmo e José Castello se aventuraram, sendo eles os
primeiros a penetrarem neste mundo (na época, Bispo não era a figura que
conhecemos hoje e ambos, fotógrafo e repórter foram escalados aleatoriamente
pela revista Isto é da época para cobrirem um personagem de problemas mentais
mas que chamava atenção pelo que fazia de “exótico” já que nesta época exisita um espirito que começava a buscar o simbolo do anti-herói).
Nada valerá por completo ao
acompanhar as fotografias da exposição sem se dirigir para o fundo da sala e
acompanhar o vídeo (que é de um tempo tolerantemente curto). As fotografias das
obras do Bispo tomam para si o status quando estas, em certo paradoxo com Walter Benjamin, resgata justamente
sua “aura”. Aura esta que o próprio Bispo questionou aos seus interlocutores
antes que estes tivesse acesso à suas obras, na época e que agora, os envolvidos
metaforicamente se apropriam de suas sombras (a do Bispo) como um mistério do
artista. Você entenderá ao ler o já destacado ótimo texto curatorial de Flávia Corpas.
Enfim, vale a pena assistir a
esta exposição. Mas vá desarmado para assim mergulhar na loucura de uma grande
artista (ainda que não seja pelos tramites canônicos, mas já canonizado pelo
mundo da arte), e fugir um pouco desse mundo cada vez mais certinho,
controlador e normativo.
Quando: Centro Cultural Caixa Econômica
Federal
Horário: 10h às 21h (3as a
Domingos)
Onde: Avenida Almirante
Barroso, 25 – Centro Rio de Janeiro
Nos últimos dias, tem acontecido uma nova febre nas redes sociais (Na verdade são várias em tão pouco espaço de tempo), mas pretendo destacar uma que virou alvo de comentários pejorativos, criticas e até piadinhas de momento: postado como “Bonde das analfabetas” em referencia ao vídeo exposto no you tube pelo grupo “Bonde das Maravilhas”, a imagem circulou pelas redes sociais agregando cada vez mais comentários e compartilhamentos de pessoas que defendem os bons costumes, uma vez que o funk, para estes “militantes”, em vias gerais propaga a violência, o sexismo exacerbado e também o incentivo ao analfabetismo. O que seria um incômodo para as nossas crianças.
Pois bem, até aí, nada de novo. Mas o que de fato me incomoda são alguns pontos crucias. Entre eles: a origem social em que a maior parte dessas “criticas” partem; e será que realmente o funk é nocivo ao mesmo tempo em que ele é carente de intelectualidade? Será que isso é ponto pacifico e determinado? Existe de fato uma hierarquia de culturas e no caso do funk essa seria uma cultura inferiorizada as demais?
Eu confesso que minhas perguntas não são meras retóricas fruto de uma tentativa Maiêutica de indução. Eu também tenho minhas sinceras duvidas quanto à questão do funk carioca. Elas talvez não sejam conclusivas e nem as quero. Porém gostaria de expor aqui alguns pontos em contribuição à opinião geral.
Já ia deixando de lado a descrição da figura mencionada. A foto editada para este fim (figura acima) mostra um momento do filme em que uma das cantoras apresenta nos dedos uma contagem do numero sete contrariando a letra da musica que fala sobre “quadrado” (E sim. Alguém se deu ao incrível trabalho de por o filme em slow motion para captar o flagrante equívoco). Ainda a imagem reforça a suposta ausência de inteligência das cantoras do grupo na mensagem da imagem que diz:
“Além do quadrado não ter 8 lados (quem tem é octógono) não saber contar 8 nos dedos é de passar vergonha.” (sic).
Porém, poderíamos questionar: será que de fato isso reforça um suposto encorajamento ao analfabetismo no nosso país? Ao que me parece existem muitos outros sistemas legais que de fato contribuem para tanto e nem isso é questionado como deveria ser. Se foi um erro ou não. Se foi um ato inconsciente ou planejado, já não justifica aqui uma ausência de “intelectualidade” por parte das cantoras do grupo. Do contrário me reforço aqui baseado no vídeo “A hipócrita vulgarização do funk”, postado por Cristiane de Oliveira no You tube, em 28/04/2013 na qual, entre tantas outras coisas interessantes, ela questiona quem de fato seria burro? Nós que não somos famosos e sem dinheiro ou elas que agora fazem sucesso e estão ganhando muito dinheiro com sua musica e seu videoclipe independente da gente falar mal ou bem delas? – e, diga-se de passagem, acredito ser de fato uma grande jogada de marketing fazer a gente acreditar nesses deslizes porque no fim das contas é a gente que propaga cada vez mais acessos ao vídeo polemizado - Quem são os burros nesta história? Se todos nós fossemos dotados de “intelecto privilegiado” assim teríamos uma sociedade regida por políticos honestos. Mas é claro que não se trata de inteligência, não é verdade, mas de caráter o que os nossos líderes fazem com a gente. Ou não? Só sei que eu estou desempregado, sem imaginação para ganhar dinheiro como elas estão ganhando e ainda me encontro duro sem um tostão. Portanto, não são elas assim tão idiotas quanto à gente pensa.
Em um outro momento vi no programa vespertino do apresentador Wagner Montes que defendia o funk carioca como “cultura do Rio de janeiro, mas condenaria àqueles que usam da musica para incitar a violência, apologia as drogas e a depravação e corrupção de menores.” Obviamente ele estava se referindo aos bailes feitos nas comunidades cariocas. Mas se a musica do funk é inofensiva, porque ela desperta tanto repudio e um discurso demagogo do senhor Wagner Montes. Nossa! será que a musica do funk carioca tem poderes subliminares tão manipuláveis assim a ponto de interagir no caráter das pessoas!?
Vamos então as letras. É claro que não vemos aqui uma letra tão elaborada como às do Mano Brown dos Racionais Mcs e Humberto Gessinger dos Engenheiros do Havaíi ou sensíveis e inteligentes também como as letras do Renato Russo da Legião Urbana.... SERÁ!? Não há de fato nada de politizado no funk e sua estrutura é tão pobre e insossa a ponto de sequer despertar nenhum tipo de sensibilidade?
O que é inegável é que o funk desperta estranhamento. Porque é agressivo, anárquico e orgiástico. É agressivo porque fala da violência tal qual ela se apresenta: Totalmente explicita e sem metáforas. É anárquico porque promove o distúrbio contra a ordem vigente. Uma anarquia sem ideologias como as cantadas pelos rock stars. Uma anarquia pela anarquia. Sem novos sistemas político-sociais que iriam ocupar o sistema atual e assim correr o risco de um novo sistema totalitário inserido por uma nova ordem. É orgiástico porque também é explicito, mas não pode ser chamado de machista porque o que mais me parece inovador e libertador é que muitas dessas musicas dita obscenas, são escritas e cantadas por mulheres.
Escrevi boa parte disso em meu artigo O Crime do funk carioca. Mas agora percebo mais ainda é que muitas das criticas a este estilo musical não vem Apenas de grupos definidos como religiosos e conservadores de classe media alta em geral. Vem dos mesmos grupos sociais em que a realidade do funk está inserida. Então que tipo de estranhamento é esse que afeta até mesmo àqueles que estão à margem dessa realidade desvelada pelo funk?
Este estranhamento pode ser comum àqueles comparados as obras de arte e em especial a arte contemporânea. Porém, não é a mesma coisa. E não tem nada a ver com patamares de erudição. Isso é por si só um mito construído que pensadores como Pierre Bourdieu e Alain Dardel tentaram desmistificar mostrando a verdade por trás dessas convenções. Cada vez mais me convenço que as artes e em especial as artes visuais estão se elitizando. E não por uma mera questão de gosto como tantas pessoas defendem para definir que uma pessoa que curte Rock and roll ou musicaclássica tem bom gosto comparada a uma pessoa que curte funk (e essa ultima é sempre classificada como uma pessoa de gosto duvidoso ou até mesmo de intelecto inferior). O que de fato está por trás disso é o velho discurso vindo do topo da pirâmide social de que pobre não tem gosto porque não tem intelectualidade suficiente para entender “as artes do bom gosto”. No entanto, cada vez mais a arte contemporânea caminha para uma total desmaterialização do objeto de arte vindo já da arte conceitual para o campo filosófico e crítico. Ou seja, acadêmica. Teóricos da arte como Clement Greenberg e Arthur C. Danto, chegam de fato a ensaiar um possível fim da arte e sua história porque ela chegaria a ser outra coisa. Se de fato ela acabará ou não o que posso especular aqui é que talvez ela nunca tenha existido. Não para todos de fato.
Se antes a arte serviu a igreja e a burguesia ela agora se destina ao puro capitalismo estatal na qual a chave do seu conhecimento não estará destinada a uma determinada parcela da sociedade. Em outras palavras: aos que estão na base e até mesmo na margem da pirâmide social na qual hoje chamo esta pirâmide de polis e a urbe como sua margem, essas pessoas não tem acesso aos códigos de entendimento da arte contemporânea sendo relegados a meros ignorantes incultos.
“A categoria mais respeitada nos museus é a dos detentores de um diploma de final de estudos secundários, ou seja, indivíduos que assimilaram parte das disposições cultas, produto de uma educação distribuída de forma desigual, tratando ‘as aptidões herdadas como se fossem virtudes próprias das pessoas [‘dons’], ao mesmo tempo naturais e meritórias’”.(Pag. 10).
É impressionante o quanto a realidade do Frances Pierre Bourdieu, na qual resultou neste preciso estudo, se adéqua a nossa realidade. Prova de que os valores simbólicos, embora variantes de acordo com a ordem social de cada país, são hierarquizantes baseadas em falácias como dons divinos ou meritocráticos. Como se as demais pessoas das então entendidas classes inferiores não compreendessem a arte e o conhecimento humano no geral porque simplesmente não possuíssem o dom divino ou sequer mérito suficiente. As aptidões herdadas definidas por Bourdieu são aqueles conhecimentos adquiridos na formação familiar. No caso, das classes mais abastadas. É este “conhecimento”, somado ao diploma adquirido na academia é que vai legitimar o acesso aos museus e galerias de arte.
“Da mesma forma, a representação mística da experiência estética pode fazer com que a graça da visão artística, designada por ‘olho’, seja reservada aristocraticamente, por alguns, a determinados eleitos, enquanto outros a outorgam, com liberdade, aos poucos ‘pobres de espírito’”. (pag.17)
Como esporadicamente trabalho como monitor de obras de arte, Já presenciei e vivi experiências do quanto o estar diante das obras de arte causam efeitos diversos a diferentes pessoas conforme suas origens sociais. Desde e estudantes cômicos e despretensiosos a frequentadores assíduos destas exposições e que carregam consigo uma bagagem de conhecimento predeterminado seja qual for à obra em que estas ultimas estarão diante. Como monitor, em algumas obras, de fato costumo falar um pouco delas explicitando o que aprendi com o próprio artista, mas também somando um pouco de minha subjetividade e conhecimentos acadêmicos. Já me defrontei com pessoas interessantes que de fato agregaram entendimentos a mais ao meu conceito de determinadas obras.
Mas o que de fato me chama atenção é que raríssimas vezes pessoas que aparentam estar nesses locais casualmente apresentam fortes entendimentos subjetivos. Às vezes em uma forma bastante simples e ao mesmo tempo rica. E que muitas vezes valem mais do que qualquer aula teórica sobre arte.
Também tive experiência com pessoas que são próximas a mim que estiverem diante de uma obra de arte e demonstraram enorme respeito embora “sequer entendessem” o jogo estético que a obra ali propunha. Este respeito é o compreender embora não entenda o desconhecido. Como se ali estivesse um ídolo adorado por outros povos ou outras religiões, mas que seria perigoso uma critica depreciativa. A esta forma de respeito eu não vejo relacionada ao funk carioca cujo estranhamento aqui causado gera descrédito.
Outro exemplo bastante interessante e que desta vez aconteceu comigo: Há muitos anos atrás eu pertencia a uma banda de rock. Eu era adolescente e me vestia como qualquer garoto que gostava de rock naquela época. E era de fato uma época bem diferente dos dias de hoje porque era raro encontrar pessoas que curtiam rock. Hoje temos fãs de rock por metro quadrado e em cada esquina. Mas naquela época, ouvir rock já causava estranhamento, imagine fazer parte de uma banda. Pois bem, meus companheiros de banda e eu fomos a uma festa de pessoas que não curtiam rock e de fato lá só rolavam musicas do momento. As chamadas musicas de radio. Não demorou muito para descobrirem, graças ao nosso visual, que curtimos e fazíamos musicas de rock. Simplesmente aquelas pessoas nos deixaram em um lugar da festa bastante privilegiado e nos trataram como se fossemos verdadeiros rock star sem nunca terem ouvido nossas musicas. O que quero dizer com isso é que o estranhamento que causamos naquelas pessoas não foi de repudio contra o nosso estilo musical e cultural, mas de admiração por algo que elas assumidamente não entendiam embora compreendessem sua importância (pelo menos em termos de musica e estilo “de fora”).
Mas por que isso não funciona com o funk nos dias de hoje? Só há um entendimento possível: de que o funk carioca, como disse acima, não é estimado porque não é “importado”. Não vem de fora. E o pior: vem das favelas e produzido, por favelados: gente sem instrução, sem cultura e incapazes de entender umPicasso e ainda dada à violência. Não é o rock and rooll mad in EUA, legitimado por Elvis Presley, Bob Dylan, etc. a cultura do outro, assim como a grama do vizinho, é sempre a mais atraente. A arte da burguesia com seu bom gosto ou a musica de fora com seus acordes perfeitos e autênticos. Podemos dimensionar aqui o quanto estamos bem abaixo dessa hierarquia dos gostos e ainda assim optamos por achar melhor o que está acima de nós socialmente: Se pensarmos em uma instancia antropológica podemos dizer que a visão da classe proletária em relação à classe privilegiada é semelhante a nossa visão cultural como num todo, incutida em todos nós em termos universais. Ou seja, de aceitarmos e querermos fazer parte de uma cultura eurocêntrica.
Repito aqui uma vez mais a pergunta: será que realmente o funk é nocivo ao mesmo tempo em que ele é carente de intelectualidade? Por si só a questão é paradoxal. Como algo pode se nocivo se ao mesmo tempo é carente de intelectualidade? No caso do funk, nenhum nem outro. Ele não é nocivo e muito menos desprovido de inteligência. As letras são inteligentes porque refletem uma realidade e uma forma de expressão de um grupo. E ainda vai mais longe. Ela propõe estilos de vida que a sociedade jamais admitiria embora admitíssemos em nossas intenções metafísicas. Suas letras não precisam de fato de nenhuma apropriação “intelectual” de algum representante das classes privilegiadas e não cabe aqui espaço para uma normatização culta da língua porque não simplesmente não é urgente e muito menos interessante para este grupo como forma de expressão. Quem determinou que para fazer letra de musica é preciso antes passar por uma revisão acurada de um profissional das letras? Se for para tanto, podemos começar por várias letras de grupos musicais de outros gêneros não somente aqui no Brasil, mas de outras partes do mundo. Se são violentas, o rap norte americano também o é na mesma medida que é sexista também. E acho que o que incomoda no caso é a liberação sexual da mulher como um grito na contemporaneidade. Ou será que se fossem cantoras do mesmo estilo chique decadente da já falecida Amy Winehouse causaria tanto alarde? Talvez ainda causassem uma impressão negativa já que nossas MCs do funk não tiveram “a sorte” de terem nascidas britânicas.
“O funk carioca é alvo das mais duras críticas por causa do suposto apelo sexual. No entanto, há décadas a cultura brasileira louva o sexo, em vários ritmos musicais. Forró, axé, MPB, pop rock, sertanejo... O que eles têm em comum? Todos possuem letras de músicas com duplo sentido e apelo sexual. Assista e entenda melhor!” Cristiane de Oliveira
Quanto a polêmica “dos dedos” mostrados no videoclipe do grupo Bonde das Maravilhas, me poupem. Existem coisas muito mais sérias para serem discutidas no mundo real do que um meticuloso flagrante de contagem dedos apenas com intuito de depreciar e ridicularizar a cultura alheia no mundo virtual. No que me concerne, esta cultura não é tão alheia assim como pensamos. Ela é bem nossa. Bastante nossa. Eis a nossa negação de origem. Tentem encarar o espelho. Eu já superei isso.
Pós dígito: ia me esquecendo de colocar aqui a estética musical quanto ao seu ritmo. Francamente, se não há inteligência e inovação em misturar efeitos eletrônicos com as batidas dos ritmos afro descendentes (macumba para ser mais claro), então eu também sou bastante burro! Ah, sim, inovador é o trip-hop britânico com suas misturas incríveis de jazz, hip-hop e musica eletrônica, né!? Vocês estão certos.
Fontes que deram origem a polemica e o debate sobre o assunto:
Arte Inimiga do Povo – Roger L. Taylor – Por si só este livro é suficiente para termos uma opinião desvelada e liberta das opiniões pré estabelecidas pelo sistema capitalista mercadológico. Nos faz perceber, assim como Bourdieu, a arte não exatamente esta santa cuja solenidade nos cega e nos coloca em nosso “verdadeiro lugar de docilidade”.
O amor pela arte - Pierre Bourdieu - embora ele seja bastante técnico por ser empírico, e com isso corrermos o sério risco de largarmos de lado seus livros. É extremamente importante sermos pacientes porque justamente sendo empirista é que Bourdieu terá consistência em suas teses fortemente fincadas em pesquisas sérias nas práticas sociais. Tentem ler outros livros desse autor e pensador.
Cultura, um conceito antropológico – Roque de Barros Laraia – importante entendermos conceitos como determinismos biológicos, geográficos etc. e que estes últimos não são tão concretos como imaginamos ter herdado dos evolucionistas pós Darwin.
Se uma pessoa te parasse na rua e te perguntasse qual data
se comemora o dia do índio? Provavelmente você, se não for um conhecedor no
assunto, titubearia e talvez sequer lembrasse a data. Talvez você não tenha
culpa. Porque de fato estamos nos condicionando a “esquecer”. E esquecer é não
ter “memória”.
Bom, o dia do índio será “comemorado” nesta sexta-feira, dia
19 de Abril. As escolas com seus professores, ainda lutam para rememorar a importância
desta data aos seus alunos. Mas estes, quando atingirem a maioridade, têm
grandes chances de esquecer tal importância quando atenderem o mercado de trabalho.
Questionei-me a respeito do assunto: Por que o dia do Índio
não é decretado feriado nacional como muitos feriados o são? Será que um
interdito de nossas atividades sócio mercantilistas só é válido para feriados específicos?
Será que um Santo tem mais significado simbólico e memorial a ponto de merecer
um feriado que a do próprio índio? Não que eu esteja aqui litigando mais um dia
de folga tendo em vista que os feriados hoje em dia só atendem ao cumprimento
de uma demanda capitalista do que na verdade um culto a memória de algo. E o
índio certamente não merece ser lembrado por nosso sistema de valores culturais,
segundo as urgências de nossa vida contemporânea.
Não merece porque ele nos faz lembrar de quem nos verdadeiramente
somos. Sua memória é incompatível com nossos desejos de sermos cada vez mais
europeus por mais que esta Europa esteja fragmentada; ou nossos “vizinhos de
cima” cuja moral esta em cheque nos dias de hoje. Ele precisa
estar no passado assim como os nossos anciões que não sabem operar um aparelho
celular. Será que isso realmente importa diante de suas experiências e
história? Uma nação que nega seu passado nunca superará a si mesma e sua crise
de identidade.
Eu estava visitando este excelente blog que me foi repassado.
Foi feito pelo professor e blogueiro, Meier F.C. e percebi que não somente o
fato que ocorreu a pouco tempo no Maracanã é isolado. Nossos índios estão sendo
expulsos de suas terras; sendo assassinados quando não estão cometendo suicídio
em desespero a suas condições impostas e desumanas.
Leiam este blog. Vejam os vídeos. Confesso que fiquei
emocionado e ao mesmo tempo revoltado com estas realidades que os canais midiáticos
costumam ocultar de todos quando não apenas divulgam de forma superficial estes
eventos.
Adorei a musica de um grupo de rap que é tocada em um dos
vídeos. Sei que é um paradoxo mas ela é belíssima apesar de cantar a dor de uma etnia tão magnífica e a angustia de um povo
tão belo.
Bem, começa aqui uma curta nova fase. Um pouco diferente do que eu vinha fazendo, mas é algo transitório.
É que eu pretendo aproveitar o longo período em que estive trabalhando em meus textos acadêmicos e assim aproveitá-los para publicá-los aqui. Acho interessante porque acredito que o debate não precisa ficar restrito ao meio acadêmico. Além do mais, também preciso de opiniões de meus leitores até mesmo para corrigir meus próprios equívocos e na qual estarei aberto a recebê-los.
O texto abaixo é um trabalho que produzi juntamente com um colega meu de curso para a disciplina de História da Arte III. tratamos aqui um pouco da Arte Islâmica. Não lembro muito sobre esta pesquisa, mas as fontes bibliográficas são verossímeis. claro que, por se tratar de um estudo não profundo sobre o assunto, fica-se algumas lacunas e até mesmo equívocos. então fica o pedido acima mencionado.
Nada é de fato absoluto.
JC Anjos.
Por: Otto Kohlrausch
Júlio César dos Anjos.
Introdução
No
presente trabalho, faremos um breve relato sobre a Arte Islâmica começando na
introdução e leitura de livros através das mesquitas assim gerando as primeiras
universidades. E de uma arte microscópica, mas que sobressaltava a própria
escrita: As iluminuras como figurações de enriquecimento das convecções destes.
Será
abordada aqui a arquitetura que apesar de sua funcionalidade decorativa já
apresenta um grau de espiritualidade subjetiva que escapa da sua própria
religiosidade como representação. E por ultimo uma breve descrição da estética
dentro da própria figuração e pintura.
Arte
dentro do livro
Uma
consequência cultural de grande importância é no que
concerne ao respeito e ao amor aos livros: as mesquitas ensinavam as pessoas a
ler e escrever tornando-as letradas. Desse modo, verdadeiras universidades
foram construídas, como a de AL-Azhar no Caire, a Sobornne dos árabes.
As
tiragens de manuscritos islâmicos fizeram com que essa, rapidamente tornara-se
uma civilização do livro e, portanto os mais lidos e mais importantes. Eram
manuscritos cuidadosamente elaborados por buscarem a perfeição. Por consequência
também eram livros de acabamento impecáveis.
O Lazer noAL-Andalus, em contexto Islâmico.
É
no interior mesmo da arte do livro, uma evolução se produziu como calígrafos.
Esta arte era inicialmente mais importante que a pintura, uma vez que
materializavam a palavra de Deus. As imagens tal como reprodução humana, não
era permitida por questões religiosas. No curso dos séculos, o que veremos a
seguir é uma equalização entre as artes e são as iluminuras que se tornam
objeto desta promoção. As miniaturas serão consideradas arte maior enquanto a
pintura mural praticada durante três ou quatro séculos e que acabou
desaparecendo.
Jovens jogando Xadrez, segundo iluminura islâmica.
A
prioridade será dada ao livro e alguns farão o mesmo pelos tecidos – habito
instaurado pelos primeiros monumentos, que pediam cartões de decoração para
decoração de mesquitas. Conta-se que um ilustrador de cartões levou sete anos
para concluir seu trabalho.
Arquitetura,
apartada da religiosidade e decoração: condição espiritual islâmica.
Na
arte islâmica os elementos arquitetônicos se transformam em uma constante
decoração. Mas a problemática seria medir tal dimensão arquitetônica ser
verdadeiramente muçulmana uma vez distinguindo sua condição religiosa, mesmo
porque pode produzir formulas bizantina ou mais, se podemos concluir que esta
arquitetura criou formula simbólicas mulçumanas ou se é uma questão de
apreensão de tradições locais, ou ainda, se foi realmente criado da condição do
espírito islã.
A Grande Mesquita de
Bucara.
Libertação
do fator religioso: nascimento de uma estética.
Na
formação da estética islâmica, podemos distinguir, grosso modo, dois tempos: no
primeiro, as obras só respondem negativamente com a interdição das figuras de
seres vivos, isto e com prescrições aplicadas ao pé da letra, as os artistas
não descobriram o meio de transformar estas interdições. Num segundo momento a
revolução estética se realiza e assistimos a uma verdadeira explosão de uma
arte verdadeiramente muçulmana, isto é, uma arte que não só usa figuras de
seres vivos com também não apresenta temas relativos a uma nova religião por
sua própria textura de mundo autônomo, pela extrema importância que deu às
formas e suas relações, pela composição de um conjunto de obras, pelas
convenções utilizadas em pintura para figurar o espaço definidas e estáveis com
as prescrições da teologia e com conjunto da filosofia e da visão muçulmana do
mundo. É esta a estética que reencontramos em todo o lugar, tingida com
caracteres nacionais, ou mesmo regionais, mas sempre exprimindo, através de
materiais diversos, uma concepção única do belo.
Mesquita
de Jumeirah (acima, vista externa. nesta foto, seu interior).
Os
artistas mulçumanos foram excepcionais coloristas. Em seus manuscritos há uma
variedade, uma riqueza, uma intensidade e uma variedade admiráveis. Nos
manuscritos persas as cores esmaltadas provem do fato da disposição das cores
provir de pedras preciosas e semipreciosas em pó, ouro e prata em profusão. Inicialmente,
os artistas desenhavam e depois é que coloriam o sentimento de que a arte
muçulmana é uma arte de coloristas resulta da estética muçulmana propriamente
dita e dos meios inventados pelos artistas para tornar os interditos dos
“hadiths”. Os pintores aplicaram ao pé da letra o interdito concernente às
imagens com sombras, não modelaram as cores e misturaram branco e preto a elas.
O resultado imediato é que
obtemos placas de cores puras, da mesma intensidade sobre a superfície e sem
nenhuma nuance para modelar. Estas placas justapõem-se sem intermediações: suas
bordas não são temperadas pelos reflexos dos objetos ambientes, zonas de
sombras, claro-escuro, etc.
Conclusão
O
que se apresentou foi um breve estudo sobre a arte do médio oriente, em
especificidade a Arte Islâmica. Podemos notar que apesar das restrições
religiosas, a beleza estética é de importante apreciação devido a sua precisão
material, mas também uma possível visão filosófica oriental, mesmo por seus
víeis teológico. A arte islâmica continua sua desenvoltura por uma nova
estética.
Bibliografia:
LEITE,
Silvia. O simbolismo dos padrões
geométricos da Arte islâmica.
PAPADOULO,
Alexander. L’ Islam etl’ art mulçumanCol
Mazenod - Citadelles.
KAMEL,
Ali.Sobre o Islã. Ed. Nova Fronteira.
2007.
ROBINSON,
Francis. O mundo Islâmico – o esplendor de uma fé. Grandes
civilizações do passado.
Meu objetivo é bastante simples como propõe o título do meu trabalho. Apresentarei comparando dois artistas de áreas completamente diferentes: Do campo literário Charles Bukowski e no campo visual Robert Rauschenberg. Aparentemente nos parece impossível fazer uma ligação analítica entre estes dois artistas de realidades sociais um pouco diferenciadas. Enquanto Bukowski sofrera sua descentralização geográfica através de um êxodo no período entre guerras da Alemanha para Estados Unidos, Rauschenberg, nascido no Texas, lidaria com o período da grande depressão. Vindo a fazer alguns de seus cursos na Europa.
Mas assim como quase todos os artistas Século XX, as transformações da primeira metade desse século na arte moderna torna-se praticável uma análise ainda que de impressão isolacionista desses artistas. O próprio Rauschenberg seria grande influência no que viria a ser arte pós-moderna ao preceder a própria pop art.
Começarei por este estudo histórico entre a realidade social e as transformações artísticas. Depois farei uma comparação de seus respectivos trabalhos de uma forma superficial aos vários movimentos artísticos desse período século. Assim como passarei a fazer uma análise mais detalhada de suas obras dentro de uma perspectiva sociológica e privada que culminará com os jogos fetichistas dessas obras diante de um comportamento antropológico.
Cronologia biográfica:
Parece irônico uma biografia como a de Charles Bukowski (1920 – 1994) começar justamente no ano em que é validada a lei seca nos Estados Unidos em 1920 e por se tratar justamente dele, um alcoólatra assumido. Verdadeiramente nascera numa Alemanha que recentemente ao seu nascimento havia perdido uma guerra e sua realidade social estava totalmente despedaçada pelas reformas políticas e bélicas impostas pelos países aliados vencedores ao que ficou chamado de tratado de Versalhes. Tratado esse que fora criado exatamente um ano antes de seu nascimento. Também naquele mesmo ano do tratado, a Bauhaus era fundada e vemos a primeira exposição Dadaísta em Berlim, mesmo que ainda que de uma forma quase clandestina ou quase de assalto. Talvez tenha sido o motivo da crise que assolava a Alemanha e a iminência de uma guerra que fizeram com que a família de Bukowski viesse aportar na América do Norte e viver doravante no subúrbio de Los Angeles quando Charles Bukowski ainda contava três anos de idade. Seu pai era um soldado americano casado com sua mãe, uma jovem Alemã que possivelmente tal encontro só teria acontecido por consequência da guerra e da vitória dos EUA no lado aliado e ocupação provisória no território alemão.
Um ano depois em que a família de Bukowski se instala na América e o ano em que antecede o nascimento de Robert Rauschenberg (1925 – 2008), é publicado em 1924, por André Breton (1896—1966), o manifesto surrealista, que mantendo a quebra de paradigmas anteriormente proposta subjetivamente pelo Dadaísmo que por sua vez procura quebrar as correntes institucionais dos movimentos anteriores, irão exercer, posteriormente, enorme impacto na formação de Rauschenberg. Numa forma geral, as transformações históricas e artísticas no inicio do século XX serão essências para compreensão de trabalho. A começar pelo ano de seu nascimento no ano de 1925, apesar da Bauhaus ter sido fechada em Weimar, sua influencia iria ecoar nos anos que se seguiriam ao encontro de Josef Albers(1888 - 1976), artista formado na Bauhaus que nos anos seguintes iria fazer parte, na condição de mestre, da formação artística de Rauschenbergna Black Mountain Colegge. Assim como Bukowski, Rauschenberg tinha sua origem Europeia e Americana no que diz respeito a sua ascendência: anglo-saxão e cherokee.
Inicio das atividades artísticas e respectivas realidades sociais:
Na década de 1950 Rauschenberg começa seus trabalhos com sua técnica inovadora Combine Paiting, que irá usar, além da pigmentação, objetos do cotidiano. Tais trabalhos de Rauschenberg sugeriam o expressionismo abstrato por propor uma quebra na linha divisora que havia entre a pintura e a escultura. Essa classificação fora incorporada principalmente após 1929 na grande depressão (como ficou conhecida a quebra na bolsa de Nova Yorque), mas o que estava ocorrendo naquele momento era uma estética que iria preceder a Pop Art.
Aparentemente do distanciamento social entre Charles Bukowski e Robert Rauschenberg, os fatores históricos no inicio do século XX acima citado, é um ponto de entendimento não só de Rauschenberg, mas do próprio Bukowski, se tratado de sues respectivos trabalhos. Enquanto a formação de Rauschenberg seria baseada nos próprios movimentos que antecederam sua trajetória pelo academicismo via artes visuais, Bukowski teria tido maior prejuízo dentro da realidade social e econômica em que se encontrava devido às crises econômicas dos Estados Unidos naquele momento. Durante sua vida literária, teve que subsistir aos mais variados subempregos. Desde frentista de posto da gasolina, frigorifico a funcionário dos correios (onde passou mais tempo). Seu perfil social é bem comparável às personagens do romance gráfico de Will Eisner (1917 - 2005) principalmente em O Edifício (1987) e Um contrato com Deus e outras histórias do cortiço (1978), assim como as personagens de seus próprios livros: imigrantes Europeus do período entre guerras que se instalam nos subúrbios norte americano sem direito a cidadania. Trata-se exatamente da descentralização social e pátrio desses imigrantes europeus na sociedade norte americana. Bukowski somente começaria a ter certo reconhecimento a partir da década de 1980 e sua primeira publicação que se tem noticia, ocorrera em 1955 apesar de escrever desde 1944.
“Eu trabalhava no departamento de expedição de uma firma de acessórios e peças de automóvel e o salário mal dava para atender as despesas. Minhas únicas alegrias consistiam em comer, tomar cerveja e ir para a cama com Sarah. Não era o que se poderia chamar de vida folgada, mas cada um deve se contentar com o que tem. E sara estava longe de ser um prato de se jogar fora. (...)” - Quinze centímetros (pag. 37) – Bukouski, Charles.
Espírito Beat em espaço delimitado:
As personagens de suas prosas são de cunho biográfico apesar de suas representações fantásticas a realidade parecerem de certo ponto absurdas. Sua linguagem escrita segue os mesmos moldes de desprendimento lógico com a geração Beat. Porém seu coloquialismo somado com o absurdo herdado do surrealismo o coloca como uma inovação transcendental entre o popular e o distanciamento da literatura acadêmica. Enquanto a geração Beat rompia sua linguagem literária, vivendo as experiências do dadaísmo e do surrealismo, na mesma proporção em que singrava o país e rompia fronteiras geográficas, Bukoswski e Rauschenberg aprofundavam-se no microcosmo da urbanidade e da vida privada expondo as fronteiras sociais. Expondo às vezes o consumismo naquilo em que se encontrava nas latas de lixo ou nos bares, depósitos de desesperançados. Bukowski, para falar da mesma persona social de Jack Kerouac, não precisou ir longe, para o México, encontrar com Tristessa como fez Jack Kerouac( 1955-1956, publicada 1960). Bastou olhar mesmas mazelas do terceiro mundo encarnada em sua realidade social na personagem de Cass (A mulher mais linda da cidade. Publicado pela primeira vez aqui no Brasil em 1984). Da mesma forma, assim como Tristessa, Cass era descentralizada por sua própria descendência indígena (assim também como o próprio Bukowski de suas origens) do sistema capitalista primeiro mundista. Rauschenberg, por sua vez iria expor o consumismo de uma sociedade capitalista tingindo em sua materialidade por vezes tridimensional as cores vivas e alegres do que viria a ser a pop art. A partir daí a produção industrial estaria ligada ao kitsch e este ultimo elevado a um novo patamar do consumismo da arte.
Elementos da urbanidade: vida privada e fetichismo.
O fetichismo que apresentarei aqui foge um pouco do âmbito da arte, mas ainda dentro do sistema de castração analisado por Freud. Longe do fetiche da aura, do exótico ou de qualquer vontade de poder pelo objeto inalcançável. Talvez esteja próximo da sexualidade e do mistério das “formas admiradas com as formas desejadas” como diria André Malraux. Do que está dentro do imaginário coletivo e da vida privada.
Bed - 1955 Rauschenberg, Robert.
Da série combine paiting ou combinação, temos este trabalho de Rauschenberg (Bed) cuja sua materialidade compõe lençóis e colchões de cama. Suas tintas estão dispostas como que “manchadas” sobre os tecidos. Alguns relatos afirmam que o próprio Rauschenberg se apropriou de suas peças de cama. Tais relatos podem fazer parte da própria composição da obra como que para alimentar a aura fetichista a sua volta. Não somente em sua materialidade, mas o que pode estar ali como impressão de uma possível ação. A intimidade exposta. Extraída do âmbito privado elevado ao âmbito social. Sua visão urbana do microcosmo de nossas intimidades expostas na urbe antes que a coleta de lixo as leve para a exposição, por enquanto, sem espetáculo, maior da polis: O lixão.
No texto “Quinze Centímetros”, do livro Crônicas de Um Amor Louco, de Charles Bukowski, o fetichismo parte do coletivo da urbanidade e vai se desenrolar dentro do privado. Henry Markson Jones Jr. – alter-ego de Bukowski - conhece Sarah numa festa de confraternização na empresa onde ambos trabalhavam e passam a viver juntos mesmo contrariando os avisos de seus colegas de trabalho de que Sarah, supostamente seria uma bruxa e talvez fosse responsável pelo sumiço de dois outros funcionários. Henry interpreta como protestos de inveja por ele ter “fisgado” a mulher mais bonita da empresa. O que ele vai descobrir em sua intimidade com Sarah é exatamente o absurdo a que antes fora advertido pelos colegas. Ao aceitar a imposição de Sarah em perder peso, Henry percebe que além de perder peso, está perdendo altura. Consequentemente ele é demitido de seu emprego (Sarah havia pedido demissão do mesmo emprego na semana em que foi viver com Henry) sob a alegação de “não estar mais em condições de dar conta do serviço.”. O que se segue é a perda da altura de Henry até 15 centímetros obrigando-o conviver preso dentro de casa com Sarah. A partir daí começa um verdadeiro jogo sexual entre o fetiche de Sarah e o “objeto” em que se tornou Henry.
Aparentemente, esse conto parece apresentar o fetiche sexista e machista de seu autor. Mas é perceptível a sua submissão como objeto diante do desejo feminino.
“Mas como ia dizendo, uns 3 meses depois do casamento começou a fazer aqueles comentários sobre o meu peso. A principio se limitou a pequenas observações bem humoradas, depois passaram a ficar escarninhos. Uma vez cheguei em casa e ela ordenou:
- Tira essa roupa de merda!
- Como é que é, meu bem?
- Você ouviu perfeitamente o que eu disse, seu peste! Tira tudo de uma vez!
A Sarah que estava diante de mim era meio diferente da que eu conhecia. Despi a roupa e a cueca e jogue tudo em cima do sofá. Ela ficou ali, me encarando fixamente.
- Horrível – decretou - , só merda e mais nada!
- O quê, meu anjo?
- Eu disse que você está tão gordo que mais parece um saco cheio de merda!
- Escuta meu bem, o que é que há? Você acordou com vontade de arrasar comigo?
- Cala a boca! Espia só essas pelancas aí na cintura!
Tinha razão. Parecia haver mesmo umas pequenas bolsas de gordura de ambos os lados, umas dobras logo acima dos quadris aí ela cerrou os punhos e bateu com toda a força, várias vezes, em cada uma das bolsas. (...)” – (pag.39).
A submissão de Henry não deixa de ser um fetiche individualizado entendo que o fetiche é o nosso desejo em busca de uma realização (ou não) obstruída pela castração. Mas de qualquer forma ele é compartilhado com o desejo fetichista de seu objeto (Sarah). Na prática do autor: Charles Bukowski pratica seu próprio fetiche simplesmente trocando seu alter-ego de posição dominante para dominado com a sua outra personagem Sarah. Analisando no âmbito privado é inevitável deixar de abordar aqui a questão da posição da mulher como sustentáculo da uma hierarquia social montada também pelo âmbito do gênero. Sarah abandona o emprego enquanto Henry continua na sua obrigação de mantedor das despesas da casa, ou seja, ela passa a assumir o anonimato social, porém, mantém o controle social através de Henry. Seu poder se potencializa quando Henry se vê obrigado a abandonar o quadro social e de vez fazer parte do jogo sexual de Sarah, dessa vez somente nesse âmbito privado.
“Esvaziei o dedal e então aconteceu uma coisa nojenta – uma coisa simplesmente asquerosa. Sarah me levantou do chão e me pôs no meio das pernas dela, que entreabriu só um pouquinho. Aí me vi diante de uma selva de pelos. Endureci as costas e os músculos da nuca. Pressentindo o que iria acontecer. Me senti esmagado pela escuridão e pelo fedor. Sarah soltou um gemido. Depois começou a me sacudir devagar, para frente e para a trás. (...) aí Sarah deixava escapar um gemido ainda mais fervoroso. (...) estava totalmente bêbada de vinho e paixão. (...)” – pag. 46.
A partir dali Henry torna-se cativo aos desejos de Sarah, sua única esperança de retornar ao “mundo coletivo” seria eliminando Sarah. Ao eliminar Sarah, o escritor também estaria eliminando uma possível alienação psicótica de seus fetiches para ser “aceito” socialmente? Se tratando de Charles Bukowski, talvez não. O que ele faz apenas é contar um bom conto. A análise fica por nossa conta. E o que ele traça é o quanto a vida urbana está ligada na vida privada através do espetáculo. Da mesma forma que não devemos nos espantar com os exageros fantásticos bukowskiano, também não devemos desacreditar a exposição de Bed de Robert Rauschenberg. Ambos possuem a mesma função: revelar o que já está revelado. Aceitar o que nos é sempre negado.
o velho Buk retratado por Robert Crumb no livro de Bukowski "O Capitão saiu para o almoço e os marinheiros tomaram conta do navio" seu ultimo livro escrito. lançado aqui pela L&PM Pocket. abaixo, retrato de Rauschenberg quando jovem ao lado de suas criações.
Bibliografia:
Argan, Giulio Carlo, Arte Moderna, 1988, ed. Companhia das Letras, 2004;
Osterworld, Tilman; Pop Art, ed. Taschen, 2001;
Eisner, Will, Um Contrato com Deus e Outras Histórias do Cortiço, 1978, ed. Brasiliense, 1995;
