Sexualidade e Feminilidade no Ocidente: O Erotismo e seu tabu na religião e na História da Arte. - Parte 1.

Breve introdução:

              O universo feminino sempre foi um terreno fascinante e bastante perigoso para se pisar seja lá de qual gênero pertençamos.  Ainda mais quando visto do ponto de vista erótico e religioso. Elementos que o mundo da arte se valeu durante muitos séculos para representar o universo feminino e seus mistérios são totalmente diferentes do que vemos hoje na contemporaneidade onde as tensões voltam-se para uma autonomia libertária feminista inclusive de sua própria ideia de gênero em encontro à questões cada vez mais sociais e politicas. A mulher moderna e principalmente a artista moderna não precisa mais ser representada segundo as perceptivas masculinas que inevitávelmente sempre carregaram os vícios do patriarcalismo sobre o falso ideal romântico. 

Mas é inevitável que tenhamos que trilhar todo este caminho. ao menos dentro de nossa visão ocidentalizada. Mas aqui parecerá perceptível mesmo na visão ocidentalizada, seus elementos parecem surgir mais além do oriente. Mas não irei tão longe de meus limites, mais do que já estou indo.  Então caminhemos:

Eugène Ferdinand Victor DelaCroix

 Sexualidade e religiosidade na arte: fuga de Medéia ao encontro de Gaia.

Paul Cézanne

              No mito de Medéia, sua astucia em planejar a fuga, principalmente matando o próprio irmão para cumprir o intento. Assim como, antes disso, ela ajuda Jasão a reclamar o Velo de ouro, nos parece simplificar por demais sua faceta que culminará num suposto descontrole emocional. Mas sabemos que tal mito é muito mais do que isso. Se em Eurípedes, Medéia é vista como fria e calculista; carregada por um desejo de vingança, Isabelle Stengers nos desvela uma Medéia que vai evocar a voz feminina nas artes. Um grito que nos remete aos pré-socráticos. Onde o elemento feminino é carregado de pureza, sexualidade e fertilidade. Se o elemento religioso sempre esteve presente como mecanismo castrador das artes, a mulher em gênero sofre interditos mais graves e em muitas vezes estes interditos não foram mediados única e explicitamente pela instituição religiosa, mas pela própria sociedade como um todo que vai refletir em sua formação cultural. Resultado de um sistema patriarcal fundado por estas mesmas bases religiosas. A própria Bíblia começa sua história da humanidade acusando a mulher de cometer o primeiro pecado. O chamado pecado original. E o pior: ela induziria o primeiro homem da humanidade a cometer este pecado. Eis o que a religião moderna como um sintoma do patriarcado produz como símbolos através de sua iconografia.

Gaia (ou Géia) é o elemento de retorno e reivindicação da expressão feminina no mundo contemporâneo. Uma sexualidade simbolizada que vai em rota de colisão aos interditos canônicos remetidos ao monoteísmo cristão. Vemos então na pintura de Anselm Feuerbach (1829-1880), Gaia uma certa aura de  pureza, sexualidade e fertilidade. Repleta de sensualidade metafísica, mas ao mesmo tempo, nos remete a maternidade. Deusa da mitologia grega é mãe-terra. Potência latente, porém colossal dada força geradora de todos os elementos. Em quase toda mitologia ela aparece com esta mesma força e elementos de representação. Sua simbologia estritamente ligada à fertilidade, nisso emana um poder sexual que vai gerar todas as coisas. Primeiro elemento gerado do caos. É também aquela que vai criar a harmonia sobre todos os outros elementos, por isso é também remetida à maternidade. Maternidade e sensualidade parecem estar bem representadas nesta pintura de Feuerbach. Os seios e o anjo infanto, parecem aproximar Gaia da maternidade, assim como seu corpo parece se oferecer em erotismo ao expectador em uma espécie de procedência do sagrado pelo âmbito profano na existência terrena.

  São Sebastião: A figura masculina cuja iconografia se perde entre o sagrado e o profano no tabu da igreja católica.

              Como bem sabemos, a religião é carregada de sacrifícios e sexualidades. Por si só o interdito que impede o explicito na sexualidade é quebrado pelo sacrifício devido a sua violência.   Um exemplo disso é a iconografia de São Sebastião. Seu vulto histórico mistura-se com o da sua mitologia. Eis uma das versões de sua figura histórica:

  Nascido em Narvonne, França, no final do século III, mudara-se com seus pais Milão onde crescera e recebera educação. Cristão por influencia da mãe, fora alistado pelo pai nas legiões do Imperador romano Diocleciano onde conquistou o posto de capitão de sua guarda pessoal . Quando descoberta a sua fé cristã o imperador na qual tinha muita estima por ele ordenou que ele renunciasse ao cristianismo. Sebastião manteve-se fiel a sua fé e então o imperador ordenou que o executasse. Amarrado a um tronco e totalmente despido Sebastião foi executado com uma chuva de flechas e deixado para morrer por sangramento de seus ferimentos. O que não aconteceu. Fora resgatado e cuidado seus ferimentos por uma mulher conhecida Irene (posteriormente canonizada). Possivelmente mulher do mártir Castulo. Ao se recuperar Sebastião foi ter com o imperador e acusá-lo de inimigo do cristianismo no fim foi então executado por espancamento.

              Assim como tantos mártires do cristianismo Sebastião optou pela morte que renunciar a sua fé. Se o sacrifício exige a transgressão em si a própria negação desses mártires em não seguir uma norma é também a quebra desse tabu. A bíblia é repleta desses paradoxos.  Na vida também: não é a toa que determinados grupos vitimizados por intolerâncias sejam elas raciais, sexuais ou até mesmo religiosas (de outras religiões e principalmente as politeístas) "canonizam" dentro de sue grupo alguns desses santos e não necessariamente sendo santo, mas que de alguma forma passara por algum tipo de martírio (podemos citar a história ainda obscura de Zumbi.).  No mundo contemporâneo vemos a inversão desses tabus. Principalmente no que diz respeito à sexualidade e a religiosidade. É o que foi o caso da artista Márcia X que teve seu trabalho retirado da exposição no CCBB do Rio de janeiro em 2006 e que irei abordar mais a frente. Ou seja, é a igreja, como sistema vigente de valores, que passa a ser questionada pela arte, ainda que de forma subjetiva, através do erotismo que vai mexer nas estruturas desses interditos.

  A arte, antes disso, serviu durante muito tempo a igreja, mas em sua simbologia podemos perceber aspectos sutis de erotismo. Se a igreja percebia esses símbolos, remetia-os ao sagrado. É o que Bataille vai dizer em seu livro O Erotismo: “a religião comanda essencialmente a transgressão dos interditos.”(p.41). A arte então, em seu serviço a igreja estaria se rebelando ainda que de forma sutil?

              De volta à figura de São Sebastião, podemos perceber em sua imagem um erotismo carregado. Retratado por vários artistas e até mesmo perceptível tal erotismo em alguns santinhos distribuídos popularmente pelas igrejas católicas de várias cidades e inclusive no Rio de Janeiro. Sua imagem sugere um corpo masculinizado cujo foco sexual se encontra no movimento de seu ventre e de suas faces andróginas que atraem de certa maneira tanto o expectador masculino quanto o feminino. O mais contemporâneo Sebastião pode ser visto na galeria Cândido Portinari na Universidade do Estado do Rio de Janeiro - UERJ. Lá encontraremos o quadro Sebastião na exposição (figura logo abaixo à direita) "What about tomorrow" do artista Angelo Volpi. Pintado à óleo o quadro parece ser uma intervenção, mas pintado pelo próprio artista ele é uma apreensão de toda a icnologia que este santo carregou através dos tempos.  Sua jovialidade angelical é harmoniosa para olhos cuja a visão ocidental fora condicionada a conceber a ideia do belo caucasiano (quadro à esquerda). Não é a toa que seu ícone é uma das referencias do movimento gay. Na pintura de Angelo Volpi atributos tecnológicos e a tatuagem em seu corpo, além de reforçar sua sensualidade mais atuante, invoca um ar de desprendimento jovial. Vale apontar que este quadro foi feito especialmente para a exposição na galeria Cândido Portinari, no Rio de Janeiro.

Este é o sebastião de Angelo Volpi.

              Além disso, no âmbito religioso, percebemos em sua face em sua grande maioria das vezes em que é retratada, uma expressão de total resignação ao sacrifício e outras vezes como em êxtase. Mas sempre estas faces voltadas para o céu. Talvez aí esteja o fato de a igreja permitir uma iconografia cuja dor tornar-se prazer pelo sacrifício da redenção. A transcendência da carne para o espiritual em sua forma mais violenta. É o que vai garantir a continuidade da fé pela morte e sobrevivência dela despertando repudio, inconformismo e admiração. Mas o que não pode escapar é outro dado no que diz respeito a sua simbologia ao representar esta dor ou prazer ser provocada por objetos pontiagudos, que são as flechas que mais remetem a símbolos fálicos.

Fim da parte 1.

Bispo do Rosário e a Arte Nova: fronteiras perigosas na perspectiva de redenção em Assim Falava Zaratustra.

A redenção de que Nietzschepropõe em seu livroAssim falava Zaratustra, em especial no capítulo cujo título é o tema aqui discutido, evidentemente não é carregado do mesmo sentido em que conhecemos de nossa formação cultural. O nosso entendimento a esta “velha redenção” sempre nos diz respeito a um sentido resultante de uma intervenção da culpa cristã através de sua moral. Elementos que habitam e se encontram enraizados em nosso logos social. Nietzsche parece nos mostrar como tais elementos operam sobre nossas vidas através de uma punição pela memória e/ou ressentimento e em segunda instancia, nosso corpo.

Mas para compreendermos a redenção de Assim Falava Zaratustra precisamos entender antes a redenção tal qual fomos condicionadas em nosso processo de apreensão cultural na nossa primeira infância. Georges Bataille em O Erotismo nos apresenta uma ideia de religiosidade que remete bem antes da formação social em que fomos submetidos. Talvez no período de transição em que o homem abandona o nomadismo e passa ao sedentarismo. A religiosidade aqui ganha sentido literal de trabalho. O que podemos entender como algo contínuo e ritualístico. Com o tempo e a consolidação social através de suas organizações culturais (artefatos, códigos de conduta, leis, etc.) a religião como suporte metafisico dentro de uma estrutura organizada passa a ganhar uma série de normas, também como leis e códigos de

conduta, dentro desse sistema e que conhecemos como doutrinas. São estas doutrinas que irão também influenciar outros setores da sociedade através dos interditos. E são estes mecanismos descritos que foram sendo construídos durante milhares de anos e que também foram inibindo nosso poder criador. E é exatamente esta redenção, que nasce no mecanicismo primordial e se instala na sociedade como sentido religioso, que Nietzsche procura derrubar para propor a sua redenção.

Como poderíamos assim começar a entender esta nova redenção que Zaratustra nos trás? Podemos usar um fragmento do capítulo Da redenção:

“O povo, contudo, dizia-me que a orelha grande era não apenas um homem, mas um grande homem, um gênio. Eu, porém, jamais acreditei no povo quando ele me falava de grandes homens, e confirmo a minha opinião de que era um aleijado às avessas que tinha pouquíssimo de tudo e uma coisa em excesso.” – (Nietzsche. pg. 106)

A ideia do gênio que aqui poderia ser entendida como uma espécie de “eleito do povo”, é o gênio constituído no status quo. O iluminado e só a ele legitimado a tornar-se o grande homem; o homem completo ou àquele que cria. O criador que para

Zaratustra não passa de um “aleijado às avessas”. Para Nietzsche, o gênio, nada mais é que categoria de distanciamento da experiência individual e ainda mais como anulação coletiva assim também como anulação da própria vontade (que aqui tem em seu antagonismo representado no povo). O gênio como elemento de estratificação. 

Nietzsche nos mostra que a vontade é uma potencia inerente a qualquer vida. E esta vontade cuja força se renova da própria destruição de si mesma para gerar a criação no momento seguinte não é um “dom” ou “talento” divino onde poucos são privilegiados.  Todos os seres possuem esta vontade, a vontade da existência. A vontade

criadora surge de nossas necessidades de continuidade. Até quando trabalhamos em atividades que não nos estimulam projetamos para o futuro os nossos anseios. O problema é que muitas dessas atividades em que trabalhamos não contribuem em nada para a nossas projeções principalmente quanto às atividades autômatos. Ou seja, de repetição. Onde só fazemos por subsistência, não tendo outra escolha, nos anulamos como seres criadores.  Em sua dissertação, Suellen da Rocha Gomes nos mostra que pelo menos em nossa imaginação, exercemos nossa potencia criadora dentro de uma “existência penosa” como na vida e obra de Franz Kafka:

“Na análise de Kafka, a existência penosa do homem e sua tentativa de livrar-se dela, ao menos pela imaginação, motivava a construção da metamorfose nos livros, expressando uma vida natural, na qual o homem não precisasse se encarcerar atrás das grades que carregava consigo. As construções cotidianas retiravam do homem sua liberdade para impor modos de vida amarrada e sujeitada:” (Gomes, Suellen, p.67, dissertação)

Outra constatação que poderíamos considerar são as nossas atividades durante o sono. Nossos sonhos é o reflexo e prova de que criamos quando estamos dormindo. Lá vivenciamos experiências totalmente distintas do que vivemos em nossa realidade quando estamos acordados. Trazemos de volta os mortos, em especial aqueles que

mais amamos; vivenciamos a experiência de nossa própria morte; realizamos nossos desejos mais íntimos e nos deparamos com nossos maiores temores em cenários que talvez jamais pudéssemos reproduzi-los em nossa realidade convencional. A proposta dos Surrealistas chegou perto, de fato, mas seu comprometimento politico e ideológico ainda era a ancora que os mantinham atracados na realidade. Assim como o personagem de uma célebre história em quadrinhos deNeil Gaiman, Sandman, personagem mitológico, faz uma aposta com a sua irmã, a Morte no dia em que esta última levaria para o reino dos mortos um morador de rua. O mestre dos sonhos teria que tornar aquele andarilho urbano em um rei. Aposta feita Orfeu, durante o sono do andarilho, sopra-lhe nos olhos um pó mágico. Ao acordar o mendigo acredita realmente que se tornara rei. Sua realidade sensível não se altera em nada. Porém, outros moradores de rua tornam-se aos seus olhos seus súditos passando ele mesmo a “cobrar impostos” (que na visão dos que eram abordados por ele pedido de esmolas) dos transeuntes pra distribuir aos seus súditos; sua cartola suja e amassada tornar-se sua coroa; até o dia em que a Morte, após perder a aposta e por isso estendeu o tempo de vida ao morador de rua em mais um dia, enfim o levou para o outro mundo.

Esta fábula contemporânea explica bem o quanto, às vezes, precisamos mergulhar na experiência para vivenciá-la. Como nos ritos religiosos que precisam de sua fé como elemento principal de todo processo e nos desligarmos do mundo, como a própria experiência do corpo e do olhar no teatro em que é preciso ficar de fora todos os pudores sociais que nos constituíram como gêneros, raças etc. os tempos modernos, constituído por séculos de sociedade no sentido organizado, só serviu para inibirmos, tanto o corpo quanto nosso poder criador. Memória e corpo; infectados pelo vírus da memória e da culpa. Elementos que obrigaram a bem pouco tempo atrás em fazer com que uma jovem mãe entrega clandestinamente seu filho para uma outra jovem cuidar sem que o pai da criançasoubesse.

A mãe havia traído seu marido. Em uma cidade pequena de Minas Gerais em que viviam, todos comentavam que a criança não parecia com este pai(mais por saberem do fato do que por constatação física). A mãe sentindo-se culpada pela memória tentou castigar seu corpo materializado no seu filho entregando-o a uma outra menor na cidade do Rio de Janeiro. Outro fator bastante interessante é, diante da imprensa, acionada pelo pai da criança, a mãe narrou uma história inverossímil, porém bastante convincente. Lágrimas rolaram de seu rosto em uma encenação digna de uma grande atriz. Não estamos aqui desdenhando dessa cena, pelo contrário, podemos repensar de fato que muitas vezes a experiência não precisa ser experimentada pelo fato em si, mas pode ser experimentada gerando o fato como seu testemunho (como nas artes). E detalhe: não há nenhum artista crismado pelos cânones da arte da arte aqui. E sim a própria vida recriando a si própria como obra de arte.

Ainda seguindo um pouco da linha de análise de Suelen, é através de uma metamorfose, nossa potencia criadora poderia de fato livra-se das amarras de uma existência burocrática. Mas não uma metamorfose transcendente e sim de transvaloração. Tornar-se outra coisa sem criar novos valores. Mas destruí-los a cada ato. Um aspecto que a nova arte, como arte contemporânea tem tentado buscar

inclusive na quebra do artista como o criador da obra colocando-o ora “como guerrilheiro” de uma ação e assim pondo seu publico em constante estado de alerta (e este alerta como urgência é o próprio estímulo criador deste publico); ora como um “propositor” em que tanto este artista e este publico se colocam em situações em que até mesmo o próprio artista possa ser “vitima” de seu jogo que não é mais dele, mas do mundo como objeto de apropriação (Morais, Frederico). 

 Mas para ter sobrevivido a esta transfiguração, Bispo do Rosário, assim como Gregor Samsa em Kafka, confronta seu corpo e sua memória. E uma não pode se

desvencilhar da outra porque, assim como Kafka, A vida de bispo é intrínseca a sua obra. E não estamos falando de autoria. Eles foram mais longe porque transformaram (transfiguraram) suas vidas em obras de arte mais até que qualquer artista ou Reality Show poderiam chegar. Até mais longe foi o Bispo porque este sim havia mergulhado na vida longe de qualquer representação. Bispo do Rosário olha para a sua memória onde lá habita todo o ressentimento cristão ele parece dizer Eu sou agora o messias, o próprio Cristo. Você não pode me castigar, o que fará a respeito?

E então ele olha para o seu corpo (sua obra); sua pele carrega a cor e os flagelos de uma etnia negligenciada pela história. Pega estes elementos da africanidade e diz, estes são os elementos que salvarão o mundo. O lixo dispensado após absorvido pela sociedade moderna será exatamente o que a salvará do juízo final.

Talvez seja a destruição dionisíaca de toda a categoria e do puro conceito “criação” que a arte possa de fato ser pura como criação? Para que ela se mantenha pura seria preciso que no instante seguinte ela não mais exista para que não a classifiquemos como obra de arte? Nela não haveria sequer a representação da arte. De qualquer forma, discutimos aqui a posição do artista na arte e na sua realidade social. A obra de arte ainda se sustenta, pois seu testemunho sempre nos fornece novas experiências.

 Talvez embora a Nova arte esteja de fato propondo uma estética do riso como afirmação da vida. Porque talvez ela esteja rindo dos valores que colocamos na

existência. Assim celebra a vida. Mas na vida, a arte parece estar presa na representação porque mesmoquerendo ser outra coisa através sua experiência ritualística e seja no corpo ou fora dele, ela parece ainda estar ancorada nesse querer. O artista talvez seja esta ancora. O próprio objeto de arte tem sua autonomia quando opera no mundo. Vemos que a arte ainda sobrevive. O que não é tão simples porque esbarramos sempre em campos de tensão como a ética, por exemplo.  Mas independente de como a arte e em especial a arte nova esteja lidando com isso, sabemos que vivemos em um mundo possível, o mundo em que nossas experiências no campo criador podem nos levar a lugares incríveis e ao mesmo tempo perigosos.

Fontes de pesquisa:

Bataille, Georges.  O Erotismo, L&PM Editores.

Nietzsche, Frederich. Da redenção. In: Assim Falava Zaratustra. Hemus – liivraria Editora Ltda.

Gomes, Suellen da Rocha. Ser escrito a escrever-se na vida: protagonismo do corpo em conexões entre Nietzsche e Kafka. Dissertação. 2013.

Morais, Frederico. Contra a Arte Afluente: o corpo é o motor da “obra”. In: Bausbaun, Ricardo. Arte contemporânea brasileira. Rio de Janeiro: Rios Ambiciosos, 2001.

 agora você pode baixar o arquivo em PDF clicando aqui.

O mito e o rapaz invisível.

Atenção: este artigo contém fragmentos de spoiler.r

.Neste fim de semana resolvi alugar algum filme em DVD. Passei na locadora e acabei alugando dois filmes que queria ver algum tempo. Só então me dei conta de que estava levando para casa, embora dois filmes, mas que versavam sobre o mesmo tema: biografias.

O primeiro era o filme Somos tão jovens do diretor Antônio Carlos Fontoura, mas que aqui me reservo o direito de não falar sobre pelo simples fato de não ter me causado maiores impressões (veja a crítica de outros sites no final desse texto). Que tratava da trajetória da banda Legião Urbana e as demais bandas de Brasília que migraram para o Rio de janeiro na década de 1980 para fazer sucesso e que tem seu foco na “genialidade” de seu frontman; Renato Russo (interpretado por Thiago Mendonça de Dois Filhos de Francisco). Deixo claro aqui que o filme de Antônio Carlos tem um mérito: o de ser honesto quando retrata a real situação social dos personagens rendendo inclusive, cenas hilárias.

Já o segundo, Sete dias com Marilyn (My Week with Marilyn do diretor Simon Curtis), este sim me causou impressão. Confesso que ao ir para a segunda sessão, estava eu já desanimado com a experiência que havia passado com o Somos tão Jovens... Mas Sete dias... Foi mais profundo. Talvez não ter me atraído tanto por Somos tão Jovens seria pelo fato de ter passado por inúmeras biografias de bandas de rock, desde The Doors e a formula parecer ser a mesma. É claro que devo aqui levar em conta que a essência destes filmes é sempre a mesma: a de captar o espirito de uma época (espirito este que também pude viver em minha juventude.) e de uma geração com extremo excesso de rebeldia e que às vezes fica-se difícil saber o que é verossímil e o que é romantismo.

E por não viver mais esta juventude é que a figura Marilyn Monroe me atraiu mais. Porque sua figura, até então retratada apenas por fragmentos de tabloides e imagens até os nossos dias não é suficiente e que sua tragédia se assemelha demais com tantas outras celebridades tão recentes a exemplo de Maicon Jackson. E isso só foi possível com grandes interpretações como da personagem título (a atriz Michelle Williams que nos apresenta uma memorável Marilyn, insegura, frágil diante de uma verdadeira crise de identidade diante do mito que ela representa), seu par Colin Clark (Eddie Redmayne) e do ator britânico Laurence Olivier (Kenneth Branagh).   

Marilyn, como toda celebridade, paga caro por ter sua vida especulada e monitorada todo o tempo. Paga duplamente por ser mulher de um tempo em que o feminismo ainda não está resolvido com a sociedade recatada norte-americana e ainda mais em choque com o conservadorismo britânico. Símbolo do liberalismo sexual que se confunde com o sex simbol. Marilyn é prisioneira do imaginário feminino como símbolo de liberdade na mesma medida que é símbolo fetichista dos homens. Causando admiração destes (e inveja e ciúmes das companheiras destes também). Tal imagem reforça sua condição celebre fazendo assim com que uma barreira quase intransponível a separa do mundo real. Mundo este que o jovem Colin Clark transpõe (o filme é baseado no livro autobiográfico de Colin, publicado nos últimos anos de sua vida). Uma espécie de terceiro ajudante de diretor que nada mais é que um “mensageiro-servidor-de-chá”, capacho da hierarquia cinematográfica. Produtora britânica em que Marilyn rodará o filme O Príncipe Encantado (The Prince and the Showgirl, 1957) e na qual ela se afeiçoa pelo ingênuo rapaz. Seu antagonista Laurence Olivier é um ator e diretor e produtor do projeto. Sente admiração pelo mito de Marilyn na mesma medida que odeia as crises emocionais dela. Sonha ser uma celebridade tal qual como ela ainda em sua tardia trajetória o que causa aqui um jogo interessante quando vemos em Marylin, um produto de Hollywood, muito mais celebridade do que atriz, força motriz de suas crises emocionais. Mas o interessante aqui neste jogo é que vemos uma grande cumplicidade entre as personagens.

O filme é bonito em sua essência. Não há cenas de sexo entre Marylin e Colin Clark. O que deixa em suspenso se realmente aconteceu. O relacionamento de ambos contraria qualquer expectativa machista. Colin parece penetrar na persona de Marilyn (esta ultima nem sabe mais quem é). Poucas vezes um filme retrata um mito descendo de seu pedestal e de fato ter uma interação humana com um mero mortal. Um “invisível” Colin (e põe invisível nisso!) dispenso aqui comentários sobre a trilha (razoável!) e demais partes técnicas!

Sobre Somos tão Jovens:

http://omelete.uol.com.br/somos-tao-jovens/cinema/somos-tao-jovens-critica/#.UnbiR_mkquA

http://www.adorocinema.com/filmes/filme-202610/criticas-adorocinema/

http://www.cineplayers.com/critica.php?id=2638

outras criticas sobre , Sete dias com Marilyn:

http://www.adorocinema.com/filmes/filme-176326/criticas-adorocinema/

http://omelete.uol.com.br/my-week-marilyn/cinema/sete-dias-com-marilyn-critica/#.Unblg_mkquA

Exposição Walter Firmo – Um olhar sobre Bispo do Rosário. Obras fotográficas que desvelam a “aura” nas obras de arte do artista, mas que não decifram seu enigma.

Se um dos milhares de ditos que o popular se vale para adjetivar e assim se manter seu receoso distanciamento da arte e do seu sistema de valores cultos, é associa-la como “uma prática de loucos”. O que reforça esse imaginário coletivo que mais serve para distanciar a experiência estética da obra de algumas classes sociais é aqui bem aplicado, pelo menos literalmente, na vida e obra de Bispo do Rosário (1909 ou 1911, Sergipe, 1989, Rio de Janeiro). Impossível de separar analiticamente estas duas, perturbando nossa desesperada necessidade contínua de categorizar e ordenar valorativamente o estado das coisas.

Como todo messias contemporâneo, Bispo ouviu o chamado de Deus e fez de sua vida sua própria obra de arte. Começa ele mesmo se intitulando como Jesus Cristo. Para o restante do mundo, nada mais foi que um invisível social. Arthur Bispo do Rosário era negro e descendente direto de escravos Africanos; louco; filho da classe operária. Ele é um exemplo romântico do artista incompreendido pelo seu tempo e pelo seus pares e que somente será reconhecido pós-mortem. Morre o homem, nasce o mito. Ciclo natural que só compete àqueles que não tiveram uma voz na polis, mas que sua obra, inegável e barulhenta se faz existir. Uma voz emergindo da periferia e se centralizando simbolicamente. Nos incomodando. Mas nada disso valeria se sua materialidade não dissesse nada.

Mas aqui não se trata de definirmos esta materialidade. Por hora. Ela já tem o seu status de fato  antes mesmo, em um dado momento em que ela escapava dos nossos juízos categóricos. Extrapolou a tentativa de institucionalização em um primeiro momento mas não escapou de ser apreendida pela galeria graças aos seus valores simbólicos. O que se sugere que mesmo sua obra não estando resolvida para a historia da arte assim como toda a arte contemporânea não está, ela se encontra presente no mundo através de suas várias consciências. inclusive algumas delas emanada do próprio Artista-messias.

E uma dessas consciências não se dá tão simplesmente com Bispo. O que está aqui em jogo é justamente o contrário. O desarme desses juízos. Para entrar na “aura” de Bispo é entrar totalmente nu. Walter Firmo e José Castello se aventuraram, sendo eles os primeiros a penetrarem neste mundo (na época, Bispo não era a figura que conhecemos hoje e ambos, fotógrafo e repórter foram escalados aleatoriamente pela revista Isto é da época para cobrirem um personagem de problemas mentais mas que chamava atenção pelo que fazia de “exótico” já que nesta época exisita um espirito que começava a buscar o simbolo do anti-herói).

Nada valerá por completo ao acompanhar as fotografias da exposição sem se dirigir para o fundo da sala e acompanhar o vídeo (que é de um tempo tolerantemente curto). As fotografias das obras do Bispo tomam para si o status quando estas, em certo paradoxo com Walter Benjamin, resgata justamente sua “aura”. Aura esta que o próprio Bispo questionou aos seus interlocutores antes que estes tivesse acesso à suas obras, na época e que agora, os envolvidos metaforicamente se apropriam de suas sombras (a do Bispo) como um mistério do artista. Você entenderá ao ler o já destacado ótimo texto curatorial de Flávia Corpas.

Enfim, vale a pena assistir a esta exposição. Mas vá desarmado para assim mergulhar na loucura de uma grande artista (ainda que não seja pelos tramites canônicos, mas já canonizado pelo mundo da arte), e fugir um pouco desse mundo cada vez mais certinho, controlador e normativo.

Quando: Centro Cultural Caixa Econômica Federal

Horário: 10h às 21h (3as a Domingos)

Onde: Avenida Almirante Barroso, 25 – Centro Rio de Janeiro

Período: 15/09/2013 a 10/11/2013.

 Duvidas acesse o site de instituição.

De volta à cena do crime – O caso “dos dedos” do grupo Bonde das Maravilhas.

           Nos últimos dias, tem acontecido uma nova febre nas redes sociais (Na verdade são várias em tão pouco espaço de tempo), mas pretendo destacar uma que virou alvo de comentários pejorativos, criticas e até piadinhas de momento: postado como “Bonde das analfabetas” em referencia ao vídeo exposto no you tube pelo grupo “Bonde das Maravilhas”, a imagem circulou pelas redes sociais agregando cada vez mais comentários e compartilhamentos de pessoas que defendem os bons costumes, uma vez que o funk, para estes “militantes”, em vias gerais propaga a violência, o sexismo exacerbado e também o incentivo ao analfabetismo. O que seria um incômodo para as nossas crianças.

            Pois bem, até aí, nada de novo. Mas o que de fato me incomoda são alguns pontos crucias. Entre eles: a origem social em que a maior parte dessas “criticas” partem;  e  será que realmente o funk é nocivo ao mesmo tempo em que ele é carente de intelectualidade? Será que isso é ponto pacifico e determinado? Existe de fato uma hierarquia de culturas e no caso do funk essa seria uma cultura inferiorizada as demais?

          Eu confesso que minhas perguntas não são meras retóricas fruto de uma tentativa Maiêutica de indução. Eu também tenho minhas sinceras duvidas quanto à questão do funk carioca. Elas talvez não sejam conclusivas e nem as quero. Porém gostaria de expor aqui alguns pontos em contribuição à opinião geral. 

            Já ia deixando de lado a descrição da figura mencionada. A foto editada para este fim (figura acima) mostra um momento do filme em que uma das cantoras apresenta nos dedos uma contagem do numero sete contrariando a letra da musica que fala sobre “quadrado” (E sim. Alguém se deu ao incrível trabalho de por o filme em slow motion para captar o flagrante equívoco). Ainda a imagem reforça a suposta ausência de inteligência das cantoras do grupo na mensagem da imagem que diz:

 “Além do quadrado não ter 8 lados (quem tem é octógono) não saber contar 8 nos dedos é de passar vergonha.” (sic).

            Porém, poderíamos questionar: será que de fato isso reforça um suposto encorajamento ao analfabetismo no nosso país? Ao que me parece existem muitos outros sistemas legais que de fato contribuem para tanto e nem isso é questionado como deveria ser. Se foi um erro ou não. Se foi um ato inconsciente ou planejado, já não justifica aqui uma ausência de “intelectualidade” por parte das cantoras do grupo. Do contrário me reforço aqui baseado no vídeo “A hipócrita vulgarização do funk”, postado por Cristiane de Oliveira no You tube, em  28/04/2013 na qual, entre tantas outras coisas interessantes, ela questiona quem de fato seria burro? Nós que não somos famosos e sem dinheiro ou elas que agora fazem sucesso e estão ganhando muito dinheiro com sua musica e seu videoclipe independente da gente falar mal ou bem delas? – e, diga-se de passagem, acredito ser de fato uma grande jogada de marketing fazer a gente acreditar nesses deslizes porque no fim das contas é a gente que propaga cada vez mais acessos ao vídeo polemizado - Quem são os burros nesta história? Se todos nós fossemos dotados de “intelecto privilegiado” assim teríamos uma sociedade regida por políticos honestos. Mas é claro que não se trata de inteligência, não é verdade, mas de caráter o que os nossos líderes fazem com a gente. Ou não? Só sei que eu estou desempregado, sem imaginação para ganhar dinheiro como elas estão ganhando e ainda me encontro duro sem um tostão. Portanto, não são elas assim tão idiotas quanto à gente pensa.

               Em um outro momento vi no programa vespertino do apresentador Wagner Montes que defendia o funk carioca como “cultura do Rio de janeiro, mas condenaria àqueles que usam da musica para incitar a violência, apologia as drogas e a depravação e corrupção de menores.” Obviamente ele estava se referindo aos bailes feitos nas comunidades cariocas. Mas se a musica do funk é inofensiva, porque ela desperta tanto repudio e um discurso demagogo do senhor Wagner Montes. Nossa! será que a musica do funk carioca tem poderes subliminares tão manipuláveis assim a ponto de interagir no caráter das pessoas!? 

             Vamos então as letras. É claro que não vemos aqui uma letra tão elaborada como às do Mano Brown dos Racionais Mcs e Humberto Gessinger dos Engenheiros do Havaíi ou sensíveis e inteligentes também como as letras do Renato Russo da Legião Urbana.... SERÁ!? Não há de fato nada de politizado no funk e sua estrutura é tão pobre e insossa a ponto de sequer despertar nenhum tipo de sensibilidade?

            O que é inegável é que o funk desperta estranhamento. Porque é agressivo, anárquico e orgiástico. É agressivo porque fala da violência tal qual ela se apresenta: Totalmente explicita e sem metáforas. É anárquico porque promove o distúrbio contra a ordem vigente. Uma anarquia sem ideologias como as cantadas pelos rock stars. Uma anarquia pela anarquia. Sem novos sistemas político-sociais que iriam ocupar o sistema atual e assim correr o risco de um novo sistema totalitário inserido por uma nova ordem. É orgiástico porque também é explicito, mas não pode ser chamado de machista porque o que mais me parece inovador e libertador é que muitas dessas musicas dita obscenas, são escritas e cantadas por mulheres. 

        Escrevi boa parte disso em meu artigo O Crime do funk carioca. Mas agora percebo mais ainda é que muitas das criticas a este estilo musical não vem Apenas de grupos definidos como religiosos e conservadores de classe media alta em geral. Vem dos mesmos grupos sociais em que a realidade do funk está inserida. Então que tipo de estranhamento é esse que afeta até mesmo àqueles que estão à margem dessa realidade desvelada pelo funk?

        Este estranhamento pode ser comum àqueles comparados as obras de arte e em especial a arte contemporânea. Porém, não é a mesma coisa. E não tem nada a ver com patamares de erudição. Isso é por si só um  mito construído que pensadores como Pierre Bourdieu e Alain  Dardel tentaram desmistificar mostrando a verdade por trás dessas convenções. Cada vez mais me convenço que as artes e em especial as artes visuais estão se elitizando. E não por uma mera questão de gosto como tantas pessoas defendem para definir que uma pessoa que curte Rock and roll ou musica clássica tem bom gosto comparada a uma pessoa que curte funk (e essa ultima é sempre classificada como uma pessoa de gosto duvidoso ou até mesmo de intelecto inferior). O que de fato está por trás disso é o velho discurso vindo do topo da pirâmide social de que pobre não tem gosto porque não tem intelectualidade suficiente para entender “as artes do bom gosto”.  No entanto, cada vez mais a arte contemporânea caminha para uma total desmaterialização do objeto de arte vindo já da arte conceitual para o campo filosófico e crítico. Ou seja, acadêmica. Teóricos da arte como Clement Greenberg e Arthur C. Danto, chegam de fato a ensaiar um possível fim da arte e sua história porque ela chegaria a ser outra coisa. Se de fato ela  acabará ou não o que posso especular aqui é que talvez ela nunca tenha existido. Não para todos de fato.

            Se antes a arte serviu a igreja e a burguesia ela agora se destina ao puro capitalismo estatal na qual a chave do seu  conhecimento não estará destinada a uma determinada parcela da sociedade. Em outras palavras: aos que estão na base e até mesmo na margem da pirâmide social na qual hoje chamo esta pirâmide de polis e a urbe como sua margem, essas pessoas não tem acesso aos códigos de entendimento da arte contemporânea sendo relegados a meros ignorantes incultos.

“A categoria mais respeitada nos museus é a dos detentores de um diploma de final de estudos secundários, ou seja, indivíduos que assimilaram parte das disposições cultas, produto de uma educação distribuída de forma desigual, tratando ‘as aptidões herdadas como se fossem virtudes próprias das pessoas [‘dons’], ao mesmo tempo naturais e meritórias’”.(Pag. 10).

            É impressionante o quanto a realidade do Frances Pierre Bourdieu, na qual resultou neste preciso estudo, se adéqua a nossa realidade. Prova de que os valores simbólicos, embora variantes de acordo com a ordem social de cada país, são hierarquizantes baseadas em falácias como dons divinos ou meritocráticos. Como se as demais pessoas das então entendidas classes inferiores não compreendessem a arte e o conhecimento humano no geral porque simplesmente não possuíssem o dom divino ou sequer mérito suficiente. As aptidões herdadas definidas por Bourdieu são aqueles conhecimentos adquiridos na formação familiar. No caso, das classes mais abastadas. É este “conhecimento”, somado ao diploma adquirido na academia é que vai legitimar o acesso aos museus e galerias de arte.

“Da mesma forma, a representação mística da experiência estética pode fazer com que a graça da visão artística, designada por ‘olho’, seja reservada aristocraticamente, por alguns, a determinados eleitos, enquanto outros a outorgam, com liberdade, aos poucos ‘pobres de espírito’”. (pag.17)  

            Como esporadicamente trabalho como monitor de obras de arte, Já presenciei e vivi experiências do quanto o estar diante das obras de arte causam efeitos diversos a diferentes pessoas conforme suas origens sociais. Desde e estudantes cômicos e despretensiosos a frequentadores assíduos destas exposições e que carregam consigo uma bagagem de conhecimento predeterminado seja qual for à obra em que estas ultimas estarão diante. Como monitor, em algumas obras, de fato costumo falar um pouco delas explicitando o que aprendi com o próprio artista, mas também somando um pouco de minha subjetividade e conhecimentos acadêmicos. Já me defrontei com pessoas interessantes que de fato agregaram entendimentos a mais ao meu conceito de determinadas obras.

            Mas o que de fato me chama atenção é que raríssimas vezes pessoas que aparentam estar nesses locais casualmente apresentam fortes entendimentos subjetivos. Às vezes em uma forma bastante simples e ao mesmo tempo rica. E que muitas vezes valem mais do que qualquer aula teórica sobre arte.

            Também tive experiência com pessoas que são próximas a mim que estiverem diante de uma obra de arte e demonstraram enorme respeito embora “sequer entendessem” o jogo estético que a obra ali propunha. Este respeito é o compreender embora não entenda o desconhecido. Como se ali estivesse um ídolo adorado por outros povos ou outras religiões, mas que seria perigoso uma critica depreciativa. A esta forma de respeito eu não vejo relacionada ao funk carioca cujo estranhamento aqui causado gera descrédito.

            Outro exemplo bastante interessante e que desta vez aconteceu comigo: Há muitos anos atrás eu pertencia a uma banda de rock. Eu era adolescente e me vestia como qualquer garoto que gostava de rock naquela época. E era de fato uma época bem diferente dos dias de hoje porque era raro encontrar pessoas que curtiam rock. Hoje temos fãs de rock por metro quadrado e em cada esquina. Mas naquela época, ouvir rock já causava estranhamento, imagine fazer parte de uma banda. Pois bem, meus companheiros de banda e eu fomos a uma festa de pessoas que não curtiam rock e de fato lá só rolavam musicas do momento. As chamadas musicas de radio. Não demorou muito para descobrirem, graças ao nosso visual, que curtimos e fazíamos musicas de rock. Simplesmente aquelas pessoas nos deixaram em um lugar da festa bastante privilegiado e nos trataram como se fossemos verdadeiros rock star sem nunca terem ouvido nossas musicas. O que quero dizer com isso é que o estranhamento que causamos naquelas pessoas não foi de repudio contra o nosso estilo musical e cultural, mas de admiração por algo que elas assumidamente não entendiam embora compreendessem sua importância (pelo menos em termos de musica e estilo “de fora”).

            Mas por que isso não funciona com o funk nos dias de hoje? Só há um entendimento possível: de que o funk carioca, como disse acima, não é estimado porque não é “importado”. Não vem de fora. E o pior: vem das favelas e produzido, por favelados: gente sem instrução, sem cultura e incapazes de entender um Picasso e ainda dada à violência. Não é o rock and rooll mad in EUA, legitimado por Elvis Presley, Bob Dylan, etc. a cultura do outro, assim como a grama do vizinho, é sempre a mais atraente. A arte da burguesia com seu bom gosto ou a musica de fora com seus acordes perfeitos e autênticos.  Podemos dimensionar aqui o quanto estamos bem abaixo dessa hierarquia dos gostos e ainda assim optamos por achar melhor o que está acima de nós socialmente:    Se pensarmos em uma instancia antropológica podemos dizer que a visão da classe proletária em relação à classe privilegiada é semelhante a nossa visão cultural como num todo, incutida em todos nós em termos universais. Ou seja, de aceitarmos e querermos fazer parte de uma cultura eurocêntrica.

            Repito aqui uma vez mais a pergunta: será que realmente o funk é nocivo ao mesmo tempo em que ele é carente de intelectualidade? Por si só a questão é paradoxal. Como algo pode se nocivo se ao mesmo tempo é carente de intelectualidade? No caso do funk, nenhum nem outro. Ele não é nocivo e muito menos desprovido de inteligência. As letras são inteligentes porque refletem uma realidade e uma forma de expressão de um grupo. E ainda vai mais longe. Ela propõe estilos de vida que a sociedade jamais admitiria embora admitíssemos em nossas intenções metafísicas. Suas letras não precisam de fato de nenhuma apropriação “intelectual” de algum representante das classes privilegiadas e não cabe aqui espaço para uma normatização culta da língua porque não simplesmente não é urgente e muito menos interessante para este grupo como forma de expressão. Quem determinou que para fazer letra de musica é preciso antes passar por uma revisão acurada de um profissional das letras? Se for para tanto, podemos começar por várias letras de grupos musicais de outros gêneros não somente aqui no Brasil, mas de outras partes do mundo. Se são violentas, o rap norte americano também o é na mesma medida que é sexista também. E acho que o que incomoda no caso é a liberação sexual da mulher como um grito na contemporaneidade. Ou será que se fossem cantoras do mesmo estilo chique decadente da já falecida Amy Winehouse causaria tanto alarde? Talvez ainda causassem uma impressão negativa já que nossas MCs do funk não tiveram “a sorte” de terem nascidas britânicas.

“O funk carioca é alvo das mais duras críticas por causa do suposto apelo sexual. No entanto, há décadas a cultura brasileira louva o sexo, em vários ritmos musicais. Forró, axé, MPB, pop rock, sertanejo... O que eles têm em comum? Todos possuem letras de músicas com duplo sentido e apelo sexual. Assista e entenda melhor!” Cristiane de Oliveira

      Quanto a polêmica “dos dedos” mostrados no videoclipe do grupo Bonde das Maravilhas, me poupem. Existem coisas muito mais sérias para serem discutidas no mundo real do que um meticuloso flagrante de contagem dedos apenas com intuito de depreciar e ridicularizar a cultura alheia no mundo virtual. No que me concerne, esta cultura não é tão alheia assim como pensamos. Ela é bem nossa. Bastante nossa. Eis a nossa negação de origem. Tentem encarar o espelho. Eu já superei isso.

Pós dígito: ia me esquecendo de colocar aqui a estética musical quanto ao seu ritmo. Francamente, se não há inteligência e inovação em misturar efeitos eletrônicos com as batidas dos ritmos afro descendentes (macumba para ser mais claro), então eu também sou bastante burro! Ah, sim, inovador é o trip-hop britânico com suas misturas incríveis de jazz, hip-hop e musica eletrônica, né!? Vocês estão certos.

Fontes que deram origem a polemica e o debate sobre o assunto:

https://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=nZfv6YWNXNc –a hipócrita vulgarização do funk.

Publicado em 28/04/2013 - não consegui fazer um link do víedo para a minha página mas por este endereço vocês acessarão direto do canal do You tube

Texto: Cristiane de Oliveira

Produção: Cristiane de Oliveira e Petter MC

Edição: Petter MC

Realização: #TudoNossoProduções

disponível no You Tube

http://www.noticiasempre.com/2013/05/o-que-acontece-quando-uma-mulher-aceita.html - o que acontece quando uma mulher aceita a subir ao palco de um baile funk.

O videoclipe polêmico.

http://juliocesardosanjospublico.wordpress.com/2012/08/09/arte-e-tecnologia-interacao-entre-o-publico-e-o-objeto-de-arte-2/

Arte Inimiga do Povo – Roger L. Taylor – Por si só este livro é suficiente para termos uma opinião desvelada e liberta das opiniões pré estabelecidas pelo sistema capitalista mercadológico. Nos faz perceber, assim como Bourdieu, a arte não exatamente esta santa cuja solenidade nos cega e nos coloca em nosso “verdadeiro lugar de docilidade”.

O amor pela arte - Pierre Bourdieu - embora ele seja bastante técnico por ser empírico, e com isso corrermos o sério risco de largarmos de lado seus livros. É extremamente importante sermos pacientes porque justamente sendo empirista é que Bourdieu terá consistência em suas teses fortemente fincadas em pesquisas sérias nas práticas sociais. Tentem ler outros livros desse autor e pensador.

Cultura, um conceito antropológico – Roque de Barros Laraia – importante entendermos conceitos como determinismos biológicos, geográficos etc. e que estes últimos não são tão concretos como imaginamos ter herdado dos evolucionistas pós Darwin.  

Quando é o dia o dia do índio, mesmo?

Se uma pessoa te parasse na rua e te perguntasse qual data se comemora o dia do índio? Provavelmente você, se não for um conhecedor no assunto, titubearia e talvez sequer lembrasse a data. Talvez você não tenha culpa. Porque de fato estamos nos condicionando a “esquecer”. E esquecer é não ter “memória”.

Bom, o dia do índio será “comemorado” nesta sexta-feira, dia 19 de Abril. As escolas com seus professores, ainda lutam para rememorar a importância desta data aos seus alunos. Mas estes, quando atingirem a maioridade, têm grandes chances de esquecer tal importância quando atenderem o mercado de trabalho.

Questionei-me a respeito do assunto: Por que o dia do Índio não é decretado feriado nacional como muitos feriados o são? Será que um interdito de nossas atividades sócio mercantilistas só é válido para feriados específicos? Será que um Santo tem mais significado simbólico e memorial a ponto de merecer um feriado que a do próprio índio? Não que eu esteja aqui litigando mais um dia de folga tendo em vista que os feriados hoje em dia só atendem ao cumprimento de uma demanda capitalista do que na verdade um culto a memória de algo. E o índio certamente não merece ser lembrado por nosso sistema de valores culturais, segundo as urgências de nossa vida contemporânea.

Não merece porque ele nos faz lembrar de quem nos verdadeiramente somos. Sua memória é incompatível com nossos desejos de sermos cada vez mais europeus por mais que esta Europa esteja fragmentada; ou nossos “vizinhos de cima” cuja moral esta em cheque nos dias de hoje.   Ele precisa estar no passado assim como os nossos anciões que não sabem operar um aparelho celular. Será que isso realmente importa diante de suas experiências e história? Uma nação que nega seu passado nunca superará a si mesma e sua crise de identidade.

Eu estava visitando este excelente blog que me foi repassado. Foi feito pelo professor e blogueiro, Meier F.C. e percebi que não somente o fato que ocorreu a pouco tempo no Maracanã é isolado. Nossos índios estão sendo expulsos de suas terras; sendo assassinados quando não estão cometendo suicídio em desespero a suas condições impostas e desumanas.

Leiam este blog. Vejam os vídeos. Confesso que fiquei emocionado e ao mesmo tempo revoltado com estas realidades que os canais midiáticos costumam ocultar de todos quando não apenas divulgam de forma superficial estes eventos.

Adorei a musica de um grupo de rap que é tocada em um dos vídeos. Sei que é um paradoxo mas ela é belíssima apesar de cantar a dor  de uma etnia tão magnífica e a angustia de um povo tão belo. 

clique na foto. 

BREVE ESTUDO SOBRE A ARTE ISLÂMICA.

Bem, começa aqui uma curta nova fase. Um pouco diferente do que eu vinha fazendo, mas é algo transitório. 

É que eu pretendo aproveitar o longo período em que estive trabalhando em meus textos acadêmicos e assim aproveitá-los para publicá-los aqui. Acho interessante porque acredito que o debate não precisa ficar restrito ao meio acadêmico. Além do mais, também preciso de opiniões de meus leitores até mesmo para corrigir meus próprios equívocos e na qual estarei aberto a recebê-los. 

O texto abaixo é um trabalho que produzi juntamente com um colega meu de curso para a disciplina de História da Arte III. tratamos aqui um pouco da Arte Islâmica. Não lembro muito sobre esta pesquisa, mas as fontes bibliográficas são verossímeis. claro que, por se tratar de um estudo não profundo sobre o assunto, fica-se algumas lacunas e até mesmo equívocos. então fica o pedido acima mencionado. 

Nada é de fato absoluto.

JC Anjos.                         

                                                        Por: Otto Kohlrausch

                                                       Júlio César dos Anjos.

Introdução

No presente trabalho, faremos um breve relato sobre a Arte Islâmica começando na introdução e leitura de livros através das mesquitas assim gerando as primeiras universidades. E de uma arte microscópica, mas que sobressaltava a própria escrita: As iluminuras como figurações de enriquecimento das convecções destes.

Será abordada aqui a arquitetura que apesar de sua funcionalidade decorativa já apresenta um grau de espiritualidade subjetiva que escapa da sua própria religiosidade como representação. E por ultimo uma breve descrição da estética dentro da própria figuração e pintura.

Arte dentro do livro

Uma consequência cultural de grande importância é no que concerne ao respeito e ao amor aos livros: as mesquitas ensinavam as pessoas a ler e escrever tornando-as letradas. Desse modo, verdadeiras universidades foram construídas, como a de AL-Azhar no Caire, a Sobornne dos árabes.

As tiragens de manuscritos islâmicos fizeram com que essa, rapidamente tornara-se uma civilização do livro e, portanto os mais lidos e mais importantes. Eram manuscritos cuidadosamente elaborados por buscarem a perfeição. Por consequência também eram livros de acabamento impecáveis.

O Lazer no AL-Andalus, em contexto Islâmico.

É no interior mesmo da arte do livro, uma evolução se produziu como calígrafos. Esta arte era inicialmente mais importante que a pintura, uma vez que materializavam a palavra de Deus. As imagens tal como reprodução humana, não era permitida por questões religiosas. No curso dos séculos, o que veremos a seguir é uma equalização entre as artes e são as iluminuras que se tornam objeto desta promoção. As miniaturas serão consideradas arte maior enquanto a pintura mural praticada durante três ou quatro séculos e que acabou desaparecendo.

Jovens jogando Xadrez, segundo iluminura islâmica.

A prioridade será dada ao livro e alguns farão o mesmo pelos tecidos – habito instaurado pelos primeiros monumentos, que pediam cartões de decoração para decoração de mesquitas. Conta-se que um ilustrador de cartões levou sete anos para concluir seu trabalho.

Arquitetura, apartada da religiosidade e decoração: condição espiritual islâmica.

Na arte islâmica os elementos arquitetônicos se transformam em uma constante decoração. Mas a problemática seria medir tal dimensão arquitetônica ser verdadeiramente muçulmana uma vez distinguindo sua condição religiosa, mesmo porque pode produzir formulas bizantina ou mais, se podemos concluir que esta arquitetura criou formula simbólicas mulçumanas ou se é uma questão de apreensão de tradições locais, ou ainda, se foi realmente criado da condição do espírito islã.

A Grande Mesquita de Bucara.

Libertação do fator religioso: nascimento de uma estética.

Na formação da estética islâmica, podemos distinguir, grosso modo, dois tempos: no primeiro, as obras só respondem negativamente com a interdição das figuras de seres vivos, isto e com prescrições aplicadas ao pé da letra, as os artistas não descobriram o meio de transformar estas interdições. Num segundo momento a revolução estética se realiza e assistimos a uma verdadeira explosão de uma arte verdadeiramente muçulmana, isto é, uma arte que não só usa figuras de seres vivos com também não apresenta temas relativos a uma nova religião por sua própria textura de mundo autônomo, pela extrema importância que deu às formas e suas relações, pela composição de um conjunto de obras, pelas convenções utilizadas em pintura para figurar o espaço definidas e estáveis com as prescrições da teologia e com conjunto da filosofia e da visão muçulmana do mundo. É esta a estética que reencontramos em todo o lugar, tingida com caracteres nacionais, ou mesmo regionais, mas sempre exprimindo, através de materiais diversos, uma concepção única do belo.

Mesquita de Jumeirah (acima, vista externa. nesta foto, seu interior).

Os artistas mulçumanos foram excepcionais coloristas. Em seus manuscritos há uma variedade, uma riqueza, uma intensidade e uma variedade admiráveis. Nos manuscritos persas as cores esmaltadas provem do fato da disposição das cores provir de pedras preciosas e semipreciosas em pó, ouro e prata em profusão. Inicialmente, os artistas desenhavam e depois é que coloriam o sentimento de que a arte muçulmana é uma arte de coloristas resulta da estética muçulmana propriamente dita e dos meios inventados pelos artistas para tornar os interditos dos “hadiths”. Os pintores aplicaram ao pé da letra o interdito concernente às imagens com sombras, não modelaram as cores e misturaram branco e preto a elas. 

O resultado imediato é que obtemos placas de cores puras, da mesma intensidade sobre a superfície e sem nenhuma nuance para modelar. Estas placas justapõem-se sem intermediações: suas bordas não são temperadas pelos reflexos dos objetos ambientes, zonas de sombras, claro-escuro, etc.

Conclusão

O que se apresentou foi um breve estudo sobre a arte do médio oriente, em especificidade a Arte Islâmica. Podemos notar que apesar das restrições religiosas, a beleza estética é de importante apreciação devido a sua precisão material, mas também uma possível visão filosófica oriental, mesmo por seus víeis teológico. A arte islâmica continua sua desenvoltura por uma nova estética.

Bibliografia:

LEITE, Silvia. O simbolismo dos padrões geométricos da Arte islâmica.

PAPADOULO, Alexander. L’ Islam etl’ art mulçumanCol Mazenod - Citadelles.

KAMEL, Ali.Sobre o Islã. Ed. Nova Fronteira. 2007.

ROBINSON, Francis. O mundo Islâmico – o esplendor de uma fé. Grandes civilizações do passado.

Rio de Janeiro

2011